Lecturalia Blog: reseñas, noticias literarias y libro electrónico

A lo largo de estos meses, hemos estado viendo como surgían diferentes iniciativas que enriquecían el libro, o lo intentaban, con las nuevas tecnologías, como el caso de las bandas sonoras o de los documentales, pero que eran, normalmente, apuestas concretas de editoriales buscando más la publicidad que una exploración real de nuevas propuestas, con algunas excepciones como el caso de Level 26, del que ya os hablamos, el nuevo proyecto del creador de CSI, un libro de misterio que cada cierto número de páginas incluía un código mediante el cual podíamos acceder, a través de internet, a nuevos datos y crear una red social de lectores. Aun así, continuaba separando las dos expresiones, literatura frente a vídeo.

Pues bien, un nuevo producto nos llega desde los Estados Unidos, la enésima novedad entorno a las nuevas tecnologías y la literatura, a la espera de que alguna cuaje económicamente. Esta vez nos anuncian, agarraos al asiento, un nuevo género, el vook, hijo bastardo del libro electrónico y la película (vídeo). Aparte del triste nombre, el vook se presenta como un libro electrónico al que se le han intercalado breves películas que actúan, no como añadidos o ampliaciones, sino como verdaderos recursos narrativos que hacen avanzar el libro, siendo imprescindibles para la lectura, convertida ahora en lectura/visionado; de ser yo una de las promotoras la llamaría vlectura visto el nombre del invento.

El hecho de que los e-readers líderes del mercado, Kindle y Sony, no permitan el visionado de películas restringe el uso de estos libros al ordenador y al teléfono móvil y similares, al menos de momento, y así se pueden adquirir los vooks para la modalidad online o para el ipod, a precios bastante razonables.

Simon and Schuster, grupo editorial madre del invento, presentó este pasado jueves este proyecto que ha comenzado con la publicación de novelas como la romántica Promises de Jude Deveraux o el thriller Embassy de Richard Doetsch, ambas escritas directamente para el proyecto. Tal y como dicen los promotores, no se trata de incluir un tráiler o unas imágenes, sino de aprovechar la capacidad narrativa que ofrecen ambas expresiones.

Si lo consiguen o no es algo que tendrán que juzgar los lectores y la cuenta de resultados. Por ahora, parece una de las iniciativas más robustas entorno a la literatura electrónica, ya que va más allá del acompañamiento de material en diversos soportes y aunque es un formato que parece más interesante para libros de ensayo y similares, cada vez hay más lectores de literatura dispuestos a probar cosas nuevas.

Más información: Vook

Cuando hablamos de H.G Wells es imposible no hacerlo de sus grandes clásicos, como La Guerra de los mundos, El hombre invible, La isla del doctor Moreau o La máquina del tiempo; novelas que son clásicos de la literatura universal, revisitadas cada cierto tiempo por el mundo del cine o la televisión.

Lo cierto es que las obras de Wells han perdurado por su componente de anticipación, ese sentido de la maravilla único en su época que dotó a sus historias de una fuerza que hasta el momento ha sido difícil de igualar. Quizá sea quedarnos con el aspecto más que con el contenido que Wells insistía en intentar transmitir.

Wells era miembro de la Sociedad Fabiana, una organización inglesa de corte socialista centrada en conseguir una reforma adecuada a los intereses de los trabajadores. Hay que recordar la época: 1883, en plena primera época del capitalismo en la que las condiciones de trabajo eran normalmente inhumanas. Wells no estaba solo, autores como George Bernard Shaw también formaban parte del grupo fabiano, que acabaría siendo uno de los gérmenes del Partido Laborista británico.

Aunque las ideas de Wells pueden verse con claridad en la lucha de clases que muestra en La máquina del tiempo, con la diferenciación entre los Elois y los Morlocks, uno de los alegatos de Wells sobre la libertad y el desarrollo de la ciencia que más me ha impresionado siempre es La isla del doctor Moreau.

La sociedad creada por Moreau entre lo animal y lo humano, de leyes religiosas y en la que se muestra el propio reflejo de la sociedad humana, capaz de pasar de una agradable pátina de civilización a ser protagonistas de una carnicería sin sentido. Se plantea el debate de la ética en la ciencia, la naturaleza humana o el peligro de la droga para las clases bajas, en este caso, el alcohol que desata el animalismo de las criaturas de Moreau.

En todas sus obras Wells aprovecha para la crítica, bien del estado o de la sociedad, de una manera indirecta en sus novelas de anticipación para pasar más tarde, con ensayos sobre historia o sobre filosofía y política, a una visión utópica -en algunos casos distópica, cargada de gran pesimismo- de la raza humana y su posible futuro.

Hoy en día, H.G Wells está considerado uno de los más grandes escritores de anticipación de todos lo tiempos, y su mensaje, tanto el basado sólo en la ciencia como el de contenido social, sigue intacto en un mundo actual camino, en ocasiones, de alguna de sus predicciones menos agradables.

No he hablado demasiado de La máquina del tiempo: prefiero hablar de su influencia, así como de todo el pensamiento socialista, sobre otra de las grandes obras de anticipación social: Metrópolis, de Thea von Harbou, una historia que analiza el problema de los trabajadores sometidos a las grandes fortunas, atrapados con las máquinas sin las cuales la ciudad no podría sobrevivir. Lo curioso de Von Harbou es su política del trabajador y la idea de la revolución que plantea en Metrópolis, para acabar afiliándose al Partido Naiz mientras que su marido, Fritz Lang, huía de Alemania. La historia que todos conocemos es el guión escrito a medias entre Harbou y Lang.

De nuevo, como en la obra de Wells, el mensaje social queda oculto frente a la estética y el componente de mayor anticipación, María, ese robot creado para controlar a las masas bajo esa torre de Babel apócrifa que es la ciudad de Metrópolis. Si bien la situación de las clases trabajadoras no es, en general, como la reflejada en la película, viendo como avanza la penetración de los medios de comunicación y la evolución de la tecnología infográfica -e incluso robótica– da miedo pensar que un día los programas del corazón estarán llenos de seres cuya humanidad no podrá ser identificada a simple vista, creadores de opinión sin más objetivo que el programado. Aunque ahora que lo pienso, podríamos decir que ya hace tiempo que rebasamos ese punto.

La Asociación de Bibliotecas Americana acaba de publicar un ránking en el que se listan los libros disponibles en Estados Unidos que más han sido atacados para provocar su retirada de las estanterías de colegios y bibliotecas públicas. Por lo visto, el total de intentos ha subido a 518 de los cuales 74 fueron prohibidos o restringidos con éxito.

El autor conocido que más palos se ha lleado este año es Philip Pullman, autor de la saga de la Materia Oscura -aquí es conocida su adaptación al cine con el título de La brújula dorada– que viene siendo objeto de una campaña constante promovida por grupos ultracatólicos. A Pullman, que ya está curtido en estas lides, le parece un orgullo estar en el Top-10 de libros prohibidos, aunque lamenta que haya gente que se crea con el derecho a decidir lo que otros pueden o no pueden leer.

En los últimos años se han registrado más de 4000 intentos para quitar libros de las bibliotecas, siendo las obras con protagonistas gays o lesbianas las que se llevan la palma como tres obras en el Top-10.

En esta línea, el libro más perseguido y vilipendiado de este año se llama Tres con tango, una historia infantil sobre una anécdota real: Dos pingüinos macho, cuya relación era… cercana, criaron a un pequeño pingüino en el zoo de Central Park. Esa premisa, que en el libro quiere acercar a los niños la posibilidad de familias diferentes a la tradicional, no ha gustado nada -pero nada, nada- a multitud de asociaciones e iglesias americanas que han montado una campaña de acoso y derribo contra el libro. Esperemos que por el momento no salten las vallas del zoo y dejen a los tres pingüinos vivir en paz en su pequeña casita.

Los libros de J.K Rowling también se enfrentaron a duras acusaciones por fomentar la brujería entre los niños, y hace poco ha salido a la luz una noticia sobre la Administración Bush en la que no se llegó a premiar a la autora británica por ese mismo motivo.

De entre los clásicos de siempre, El color púrpura y El guardián en el centeno parecen los objetivos más apreciados por los censores americanos, que intentan, año tras año, evitar que alguien puede leer por sí mismo, no vaya a ser que aprenda algo peligroso.

Vía: The Guardian

En el décimo aniversario de la muerte del poeta José Agustín Goytisolo el Instituto Cervantes y la Generalitat de Catalunya a través del Centro Blanquerna, realizarán una serie de actos conjuntos a lo largo del mes de octubre para recordar la figura del mayor de los Goytisolo. Perteneciente a la generación del cincuenta y de la llamada Escuela de Barcelona, junto a autores como Gil de Biedma o el editor Carlos Barral, su vida y su obra estuvieron marcadas por la muerte de su madre, Julia, durante un bombardeo de la Guerra Civil: desde entonces eso nombre estuvo proscrito en la casa de los Goytisolo por imposición de su padre. Pero Julia fue el nombre elegido por Goytisolo para su hija, en recuerdo de su madre fallecida, quien fue también protagonista de muchos de sus escritos.

Los actos comenzarán a las siete y media de la tarde del seis de octubre en el Instituto Cervantes con La noche le es propicia un recital entorno a ocho poemas musicados con composiciones inéditas. El martes trece, a la misma hora pero en el Centro Blanquerna, tendrá lugar una mesa redonda con el título Biografía y poética, y la participación de Pere Pena, poeta y biográfo de José Agustín Goytisolo, Carme Riera, escritora y directora de la Cátedra Goytisolo de la UAB y Javier Rodríguez Marcos, periodista.

El día veinte, también a las 19.30, será el Instituto Cervantes el escenario de un nuevo recital con Alex Susanna y Antonio Martínez Sarrión, mientras que el veintisiete serán Joan Margarit y Luis García Montero los encargados de poner voz a la poesía en el Centro Blanquerna.

Por último, el sábado treinta y uno tendrá lugar un acto para toda la familia con la lectura e interpretación de los cuentos de José Agustín Goytisolo El lobito bueno, El príncipe malo, La bruja hermosa y El pirata honrado con dos pases, uno a las once y media en catalán y otro a las doce y media en castellano.

A. A. Milne creó al simpático oso Winny durante los años veinte del siglo pasado, inspirándose en su hijo y los peluches que tenía, que con las ilustraciones de E.H.Shepard -el mismo de El viento en los sauces-, logró un gran éxito en todo el mundo, sobre todo a partir de la adaptación que realizó la factoría Disney para el cine y la televisión, que derivó en películas también para el tigre Too y Piglet.

En realidad, alejándonos del mundo Disney, las aventuras de Winny de Puh no son literatura infantil, al menos no estaban pensados de esa forma. En los libros escritos por Milne hay buenas dosis de filosofía más complejo de lo que podría parecer a primera vista, algo que ha llevado a la publicación de libros sobre la filosofía en Winny de Puh.

Ochenta años después, la verdad, cuando nadie se lo esperaba, vuelve Winny de Puh con Regreso al bosque de los cien acres, una continuación oficial aprobada por los dueños de los derechos del oso adicto a la miel, y que ha sido escrita por David Benedictus y el ilustrador Mark Burgess.

En esta entrega, aparece un nuevo personaje, la nutria Lottie, supongo que para compensar el componente femenino general de la obra. Parece ser que consideraban también al burro demasiado lento y han decidido espabilarlo un poco.

Benedictus, más conocido quizás por su labor como dramaturgo, ha tratado de seguir el esquema de Milne, contando la nueva historia de una manera cronológica, de Julio a Septiembre. El libro ha tardado cuatro años en terminarse, dejando a un lado el tema de los derechos que, según el editor, ha sido un verdadero lío: películas, cómics, libros… más de veinte años dando vueltas hasta conseguirlo.

Como siempre, nos hacemos la misma pregunta. ¿Era realmente necesario esto? Quiero decir, es alargar un clásico de hace más de ochenta años, sin tampoco asistir a una verdadera actualización. ¿Tanta nostalgia puede haber en el mercado hoy en día? Apelar a la infancia de los treintañeros y cuarentones parece estar de moda en el mundo editorial. Quién sabe, puede que dentro de nada tengamos nuevas versiones de las novelas de Emilio Salgari. Eso sí que sería interesante.

La nueva novela de Puh será publicada en más de cincuenta idiomas. Para los que deseen desesperadamente hacerse con un ejemplar en España están de enhorabuena, Valdemar, en su colección de libros ilustrados, ya ha anunciado su venta.

Siguiendo en la línea expuesta en el artículo anterior, nos adentramos una vez más en el desarrollo del mito artúrico desde sus inicios literarios, que como ya comentábamos aparecen en diversos textos celtas. Sin embargo, las primeras recopilaciones del mito artúrico como tal aparecen de las manos no de bardos ni escritores sino de historiadores, en este caso de Geoffrey de Monmouth y de Maese Wace. Monmouth escribió en 1136 su Historia de los reyes de Gran Bretaña, en latín. La narración del historiador cubre desde la colonización de las tierras britanas por Bruto, nieto del gran Eneas, hasta la independencia obtenida de mano de los sajones en el 689. En los libros IX, X y XI de la obra aparecen las figuras de Merlín, de Uther Pendragón (padre de Arturo) y del propio Arturo. Este personaje ya había aparecido en textos históricos anteriores, pero siempre como un simple miembro de la resistencia a la invasión romana (su máximo atributo había sido, en palabras de Nennius, el de dux bellorum); será entonces Monmouth el primer responsable de concederle el aspecto glorioso y épico que durará hasta nuestros días. Monmouth, como Wace, es transparente en sus intenciones políticas: la historia de Arturo es una justificación clara a las pretensiones de los gobernantes mecenas de Monmouth; las referencias a una serie de otorgaciones de Arturo a los antecesores de los Anjou pretenden anclar a éstos en la línea sucesoria de los territorios británicos. Monmouth y Wace reconstruyen a Arturo como heredero del símbolo heroico francés: los doce pares de Carlomagno ahora son los Caballeros de la Mesa Redonda, y Arturo y Carlomagno comparten cualidades y virtudes. Así, Arturo asciende de guerrero local a soberano conquistador, señal de que el pueblo exige un nuevo tipo de protagonista en sus leyendas, uno que se modele conforme a las nuevas necesidades que Chrétien de Troyes reconocerá con maestría más tarde al integrarlo en la tradición de la novela cortés.

Con Wace se vislumbra ya el inmenso poder mediático (o el equivalente de la época) de la corte normanda de los Plantagenet. Maese Wace nació en Jersey en 1135 pero se formó como poeta e historiador en Normandía, y sirvió a Enrique II realizando una “traducción” (más bien una adaptación) de la obra de Monmouth, conocida como Roman de Brut. No contento con la labor de glorificación de Arturo que realizó Monmouth, Wace va más allá, emparentando a Arturo con el mismísimo Eneas (y concediéndole así sangre divina). Wace hace concesiones a las tradiciones paganas aderezándolas con elementos cristianos: así, Arturo combate con su espada Caliburne, regalo de las hadas de Avalón (esa misteriosa isla que parece representar lo que queda de la antigua religión en los reinos britanos) y con su escudo adornado con la imagen de la Virgen María. Obviamente ningún dux bellorum de origen britano portaría un símbolo cristiano al defenderse contra los romanos, siendo más bien un abanderado de las costumbres y tradiciones locales frente a la introducción del cristianismo por parte de los romanos y, posteriormente, de los normandos, pero esto es algo que cada vez tendrá menos importancia, conforme Arturo se aleja de sus orígenes y se acerca a la legitimación de la monarquía invasora. Arturo es un nuevo Cristo, parece morir en batalla tras la traición de su familiar más querido, su sobrino Mordred, pero es acogido por las hadas en Avalón, donde espera recuperarse para poder regresar y reinstaurar una nueva época de esplendor. La traición, la resurrección, la esperanza del regreso de un Mesías, todos son factores que apuntan a una evangelización práctica de los portadores del cambio. Esta evangelización se acrecentará con la obra del gran novelista francés Chrétien de Troyes y con Robert de Boron, para establecerse más tarde con la obra culmen del mito artúrico: El ciclo de la Vulgata.

Trataremos estas obras en los siguientes artículos.

Un 29 de septiembre de 1964 apareció la primera tira cómica de Mafalda, personaje creado en principio para una campaña publicitaria y que su creador, Quino, convirtió en uno de los personajes de cómic más queridos y conocidos por el mundo hispanohablante. La familia de Mafalda es un ejemplo de la familia de clase media: padre que trabaja, madre ama de casa, dos niños (aunque Guille llegaría años más tarde, siendo Mafalda hija única durante bastante tiempo) y las preocupaciones propias del momento, es decir, la economía familiar y el convulso momento político: la Argentina de esos años estaba sumida en la conocida como Revolución Argentina, dictadura militar bastante convulsa; y en cuanto a la política internacional… digamos que no era el mejor de los tiempos.

Conceptos como la libertad, la paz, la igualdad o la tolerancia llenaban el mundo de Mafalda haciéndonos preguntarnos con ella, hacia donde iba el mundo, ese planeta enfermo al que ella tomaba la temperatura, sin dejar nunca que la mirada a veces infantil y tierna, otras veces terriblemente adulta, taparan la crítica y el sentido del humor que se desprende de sus historietas.

Uno de los mayores aciertos de Quino son los personajes secundarios, verdaderos estereotipos creados por él y que definen, aunque sea por oposición, a Mafalda. Así tenemos a Susanita, niña con una idea muy clara de su futuro, ser amante esposa y madre o a Manolito, cuyo único sueño es seguir la senda de su padre y trabajar en su tienda para lo cual parece considerar necesario ser iletrado, o a Felipe, soñador empedernido incapaz de poner nada en práctica.

La última tira de Mafalda apareció en junio de 1973, aunque reapareció en una campaña para la UNESCO sobre la Declaración de los derechos del niño, y se realizó una adaptación a la serie animada para la televisión más que digna. Ahora que Mafalda cumple cuarenta y cinco años es un buen momento para revisitar sus tiras y comprobar como siguen estando totalmente vigentes, que el mundo no sólo sigue lleno de Susanitas y Manolitos sino que las preocupaciones de entonces son muy parecidas a las de ahora y que, como entonces, hacen falta aun muchas Mafaldas.

Philip Kindred Dick, escritor estadounidense nacido en 1928 y fallecido en 1982, no es tan sólo uno de los autores más importantes de la historia de la ciencia ficción, sino también uno de los escritores que más veces se han adaptado al cine (aunque difícilmente llegará a superar jamás a Stephen King, del que se ha adaptado gran parte de su obra).

La razón de que Dick sea tan popular entre guionistas y directores podría basarse tanto en una fecunda imaginación muy adelantada a su tiempo, como en su creación de historias asombrosas protagonizadas por, vamos a decirlo con mucha precaución, héroes un poco atípicos. Porque es evidente que en la mayoría de sus novelas y cuentos, los protagonistas suelen ser personajes poco habituales, atrapados en situaciones inverosímiles y carne de cañón para el psicoanálisis más profundo. Todavía extraña, pues, que Woody Allen no se haya embarcado en un proyecto basado en su obra. Tiempo al tiempo.

Si hablamos de Dick y el cine, hay que empezar por el principio, no solamente porque Blade Runner (1982) fuera la primera adaptación, tampoco porque Dick en persona estuviera indirectamente involucrado en el proyecto (aunque nunca pudo llegar a ver el resultado ya que murió cinco meses antes del estreno), sino por la importancia que la cinta dirigida por Ridley Scott ha cobrado desde su aparición. Blade Runner ha trascendido al género de la ciencia ficción, y es considerada por muchos como una de las grandes obras maestras de la historia del cine. Sin embargo, ¿es una buena adaptación de ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, la obra en la que se basa? Seguramente no, y es muy probable que Scott lo prefiriera así. Muchos “cinéfilos” (las comillas son necesarias) no muy duchos en ciencia ficción literaria se han acercado a la corta novela de Dick por mera curiosidad, sorprendiéndose de los pocos puntos en común entre ambas obras, y han llegado a asegurar que la película es superior a la novela. Seguramente: estamos hablando de una obra menor del autor, y comparándola con una película inolvidable. Las comparaciones suelen ser odiosas, y en este caso son injustas. No hay ningún problema en esto: la incultura se cura leyendo, y podrían llevarse una gran sorpresa comparando la siguiente adaptación al cine de Dick, Desafío Total (1990), con el cuento en que se basa, Podemos recordarlo por usted al por mayor. En este caso tampoco nos encontramos ante una adaptación pura, y aunque la película es muy entretenida, no deja de ser un vehículo de lucimiento de Arnold Schwarzenegger; el cuento, en cambio, es una pequeña joya que posee uno de los finales más impactantes de la obra corta del escritor.

Otras adaptaciones han sido francamente insatisfactorias: Minority Report (2002) cambia por completo la intención del autor (la misma inclusión de Tom Cruise como protagonista habría hecho enfurecer, seguramente, a Dick) y se queda en una mediocre intentona; Paycheck (2003) no puede ser tomada en serio, ni como película de acción ni como adaptación; Next (2007), una buena película a su manera (una manera muy particular, aclaro), tampoco es una adaptación, sino que recoge una pequeña idea aparecida en el mediocre cuento El hombre dorado para formar a su alrededor una especie de thriller algo rebuscado pero interesante.

Las dos mejores adaptaciones de la obra de Dick son, precisamente, y dejando a un lado la canadiense Asesinos Cibernéticos (que no tengo el gusto de haber visto), las dos menos conocidas. A Scanner Darkly (2006), la primera, es una obra que, imagino, habría sido muy del gusto del autor (que la habría visto acompañándola de algunas… llamémoslas “vitaminas”); Infiltrado (2002), por su parte, es posiblemente la más fiel al autor estadounidense. Basada en su cuento Impostor, esta película de presupuesto medio recoge de manera honesta la intencionalidad que Dick depositó en su relato, conformando un muy buen producto que, no obstante, sólo es apto para consumidores habituales de ciencia ficción o películas de serie B.

Travis Proulx es un psicólogo coautor de un estudio de la Universidad de California y de la British Columbia que tiene como protagonista nada más ni nada menos que a Franz Kafka. El estudio, Conexiones desde Kafka: La exposición a significados amenazantes mejora el aprendizaje de una gramática artificial publicado por la revista Psychological Science, intenta, como su largo y ominoso nombre indica, demostrar como, ante la falta de significado o de lógica nuestro cerebro busca nuevos patrones que pueden derivar en una mejora de nuestra capacidad de aprendizaje. Si hay algún psicólogo en la sala que pueda explicarlo mejor, se agradecería.

Para desarrollar el estudio se partió del cuento de Kafka Un médico rural, con una versión de la misma historia donde todo se narraba de manera lógica y razonable, es decir, sin las amenazas ni la posibilidad de desconcierto que podría suponer la versión surrealista. Cada versión fue leída por un grupo de control cuyos integrantes, tras la lectura, pasaron a realizar un examen de gramática donde obtuvieron mejores resultados los lectores del Kafka original.

Este resultado significa para los autores del estudio la demostración que

“Las personas nos sentimos incómodas cuando las asociaciones que esperábamos resultan violadas, y eso crea un deseo inconsciente de dar sentido a lo que nos rodea” lo que “nos incita a aprender nuevos patrones cerebrales, a desarrollar una mayor capacidad de aprendizaje.”

Ante esto sólo nos cabe esperar que repitan el estudio pero en este caso con Borges: todos sabemos que leer al autor argentino puede hacer más sabio a cualquier lector con tan sólo una miradita a el Aleph.

Vía: The Guardian

Ayer se cumplió otro de los importantes aniversarios editoriales en España, y tras el 40 aniversario de Tusquets le tocó el turno a la editorial de Jorge Herralde: Anagrama.

La firma de Herralde lleva cuatro décadas logrando algo al alcance de muy pocos: crear un nombre, un sello reconocible y una marca de identidad difícil de mantener. Pocos editores pueden reunir a gente como Martin Amis, Yasmina Reza, Jon Lee Anderson o Tom Sharpe. Ayer ser reunieron, junto con editores de toda Europa y América que no han querido perder la oportunidad de asistir a un evento excepcional.

Cuando Herralde fundó Anagrama nadie daba un duro por el futuro de la novela en España, a fuerza de insistir y haciendo gala de un olfato privilegiado para detectar éxitos logró situarla en una situación más que notable. Leer, en mi caso, crecer, con la colección de Anagrama ha significado descubrir a Bolaño, a Ishiguro, Bukowski, Burroughs, Vonnegut o Highsmith, entre otros muchos. Aunque lo que más llama la atención es que Anagrama ha conseguido mantenerse independiente y no ser absorbida por ninguna de los macrogrupos editoriales, capaces de comer y tragar sin masticar a cualquiera que se ponga a tiro.

Así que mientras Anagrama cumple 40 años los movimientos de la editorial han levantado cierta polémica en el último año, sobre todo con ese paso a la distribución en kiosko de la mano de RBA que generó cierta sorpresa en el sector editorial. En las celebraciones de ayer, Herralde decidió no hablar más del libro digital, un tema el cual, parece evidente, no le motiva en absoluto, lo que es una verdadera lástima. ¿Nos dejará Herralde difrutar con los ebooks de todo su catálogo para el 50 aniversario de Anagrama? Esperemos que si.