Lecturalia Blog: reseñas, noticias literarias y libro electrónico

Llevamos varios días hablando de la revolución que supone el e-book dentro del mundo de la literatura, pero creo que no hemos hecho hincapié en uno de los aspectos que se suponen más revolucionarios: la mejora de la accesibilidad de los contenidos para gente con problemas de visión.

Por un lado tenemos la capacidad de aumentar la fuente del documento, algo que más de uno con la vista cansada agradecerá sobremanera. Por otro, no hay que olvidar algunas funciones de text-to-speech que convierten algunos lectores en verdaderos audiolibros, siempre y cuando, claro, se haya llegado a un acuerdo con los dueños de los derechos de autor… Amazon ya tuvo un gran encontronazo en ese sentido.

Sin embargo, el avance tecnológico no se queda en adaptar el e-reader normal, y acabo de encontrar un producto pensado específicamente para mejorar la experiencia lectora en gente con problemas graves de visión o dislexia. El Intel Reader no es un e-reader al uso: está pensado para servir como un auténtico “lector” de libros físicos. Su cámara captura cualquier texto que le pongamos delante y luego lo pasa a audio. De esa forma, el Intel Reader es capaz de leer cualquier libro, almacenarlo y luego dictarlo al usuario.

Ni que decir tiene que un aparato de estas características puede llegar a ser un auténtica revolución en cuanto al mundo de la lectura para gente con problemas, ya que, si no les importa escuchar el libro, tendrían acceso a libros normales y corrientes y no dependerían de ediciones en braille o en audiolibro -de mejor calidad sonora, desde luego, pero bastante caros-.

Vía: Gizmología

El mal de la escritura. Un proyecto sobre texto e imaginación especulativa es el nombre de la exposición que, desde el día 20 de noviembre y hasta el veinticinco de abril, se podrá visitar en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona. Pero, tal y como dicen sus organizadores, aunque la exposición tenga un día de apertura y uno de cierre, en realidad, estamos asistiendo a un inicio, un primer paso para dar a conocer una colección que nace con la intención de seguir creciendo conforme se encuentren más textos. Pero, ¿de que clase de textos estamos hablando?

Este proyecto reúne las obras de más de sesenta artistas plasmadas en más de ciento cincuenta títulos, producidas en cualquier parte del mundo y que, en palabras de los organizadores “son textos de ficción: ficción académica, ficción literaria, ficción política y ficción poética. Libros pensados, producidos y, en su gran mayoría, publicados por artistas y que, sin embargo, no son libros de artista. Novelas y ficciones de distinto tipo y de dudoso éxito en el mundo literario“. Algunas de estas obras experimentales son, por su rareza, tesoros buscados por los coleccionistas, con una distribución marginal, ajenas, por naturaleza, a los canales habituales de publicación. Especulación sobre el arte e historia del arte.

El carácter de estos libros explica el porqué de su ubicación en un museo de arte contemporáneo, ya que están relacionados con la obra, generalmente plástica, de sus creadores, en una reinvención del lenguaje y la escritura. Así, Erick Beltrán, irá creando su obra mientras dura la exposición, imprimiendo cada día una parte del segundo volumen de El mundo explicado, donde irá plasmando las teorías que irán recogiendo alrededor del museo un grupo de entrevistadores. Esta “enciclopedia del conocimiento no especializado“, es un proyecto que el artista mexicano inició en la última Bienal de Sao Paulo.

En otra obra creada ex profeso para la exposición es 60 cartas, de David Bestué y Marc Vives, en forma de envío de una carta a cien personas e instituciones de Barcelona, en un intento de establecer un diálogo directo con los responsables de la construcción, en todas sus facetas, de la ciudad.

La exposición toma la forma de una biblioteca sin clasificación por materias, de forma que cada obra se encuentra a la espera de que el lector se acerque a averiguar que es. Hay varios ejemplares de cada texto, como en cualquier biblioteca, al contrario que en cualquier exposición, de forma que cada texto pueda ser leído por más de un lector a la vez.

Si bien la obra artúrica que más trascendencia ha tenido a día de hoy, al terminar de definir personajes, hechos y temáticas, ha sido el ciclo de obras conocido como el Ciclo de la Vulgata, éste no habría sido posible sin la aportación del célebre novelista francés Chrétien de Troyes, posiblemente el más importante novelista del medievo. Su amor por los personajes, el desarrollo psicológico que hace de éstos y el aporte creativo que hace a las leyendas artúricas lo definen como novelista en un sentido moderno; Chrétien es un autor realmente imaginativo, forjador de historias que aun hoy en día fascinan a estudiosos y lectores en general.

Se conoce muy poco de su vida (los académicos todavía discuten acerca de si fue o no clérigo), y no está muy claro el orden cronológico de sus obras. Suele considerarse que su primera obra fue Erec y Enide, datada entre 1165 y 1170. Sus dedicatorias sitúan su acción literaria en la corte de Enrique de Champaña, siendo María de Champaña su particular musa y mecenas, y el interés que muestra por el mundo oriental en su segunda novela, Cligés (vinculada a la tradición artúrica a través del Caballero Tristán y su amada Iseo), responde a las actuaciones políticas de este gobierno. Se desconoce el orden en que escribió sus siguientes obras, directamente relacionadas con el mito artúrico: El Caballero de la Carreta y El Caballero del León, incluso es posible que se escribieran de manera simultánea. Ambas están imbuidas de simbología cristiana, pero, si bien bebe de las obras de Wace y Monmouth para conceder credibilidad a su obra, sus escritos se basan más en las influencias paganas, las leyendas celtas que se entrelazan para construir historias misteriosas y oscuras. Sin embargo el verdadero rompecabezas es su siguiente obra: El Cuento del Grial, ya que murió antes de poder finalizarla y fue objeto de múltiples continuaciones y especulaciones en general.

Queda claro por la cronología y el estilo de Chrétien que se hallaba influido por las grandes novelas precursoras, los grandes roman de Tebas y de Troya, aparte de las obras de Wace, la lírica de la lengua d’oc y el ambiente aristocrático y caballeresco de la corte. Aunque El Caballero del León es considerada su obra maestra, por su fino uso de la ironía y del lenguaje, su sentido innovador de la aventura y del amor, será en El Caballero de la Carreta donde más desarrolla la leyenda de Arturo y sus caballeros. La obra ha sido objeto de múltiples críticas, de hecho ni siquiera fue escrita en su totalidad por Chrétien, quien la abandonó y la dejó en manos de Godofredo de Lagni, y es probable que se tratara de un tema que el autor escribiera por orden de su mecenas y que personalmente no le atrajera o incluso le disgustara (cabe pensar que la relación adúltera que aparece manifiesta entre Ginebra y Lanzarote del Lago pudiera serle repulsiva).La evolución del personaje de Lanzarote, que no puede conciliar el amor por su señor Arturo, su lealtad caballeresca, con su amor por la reina Ginebra, esposa de Arturo, es sintomática de la propia evolución de la literatura francesa, que parte de los épicos cantares de gesta para verse atrapada en las atractivas redes de la lírica del amor cortés. Por supuesto esta evolución se verá truncada, ya que difícilmente podría aceptar el poder eclesiástico la entrega absoluta y servidumbre del caballero hacia la dama; por lo que poco a poco la figura de la dama se convertirá en la figura divina, y la novela de caballería artúrica será transformada en una búsqueda no de amor carnal, sino de comunión espiritual, por lo que el héroe caballero terrenal, Lanzarote, dejará paso al héroe puro y espiritual: Perceval.

La obra más inquietante de Chrétien es, sin duda, el Cuento del Grial, también conocida como el Perceval. La figura del Grial, representada en el imaginario actual como un cáliz cristiano de oro y pedrería, poco tiene que ver con el símbolo medieval artúrico. La cristianización del grial, que afecta incluso a su etimología (se especula que la palabra grial provenga de “sang réal”, sangre real, lo que explicaría su vinculación a la línea de sangre Jesucristo-Britania tan favorecida por la dinastía normanda que deseaba afianzar su poder en las Islas Británicas; relación desarrollada por Robert de Boron en su obra Joseph d’Arimathie) es más evidente que nunca en el Ciclo de la Vulgata, pero en Chrétien sigue siendo lo que era en las leyendas celtas: un graal, es decir, un plato, patena o incluso un caldero. Este plato siempre estará repleto de comida y proporcionará vida eterna al que coma de él, de manera muy parecida al famoso cáliz cristiano, que concede inmortalidad al que la posea. Chrétien no terminó la obra, por lo que los estudios acerca de su significado y sobre el del fabuloso graal son muy numerosos. Más aun, comienza a intuirse uno de los puntos más apasionantes de la tradición artúrica: el incesto; un terrible pecado extremadamente cristiano. De este pecado, y de la cristianización en particular del Santo Grial, trataremos con más profundidad en el siguiente artículo.

Frederik Pohl ganó en 1978 tres de los premios más importantes de la ciencia ficción mundial: el Hugo, el Nébula y el Campbell. No es casual: Pórtico es una de las novelas de este género más importantes de la historia, a la altura de otros clásicos de obligada lectura como Dune, Fundación, El juego de Ender o Neuromante (cada uno imprescindible a su manera). La condición de clásico no la convierte en una novela, para el lector actual, añeja (como bien podría pasar con las más famosas novelas de Herbert o Asimov) o ingenua (algo que me han comentado muchos de los que se han acercado a Orson Scott Card). Incluso Neuromante, algo posterior y verdadera iniciadora de todo un género (el cyber-punk) podría hoy considerarse superada por posteriores obras que bebieron de ella. Pórtico no: sigue siendo una de las más lúcidas historias de exploración espacial escritas jamás.

La obra en sí está dividida en dos partes bien diferenciadas que se nos van mostrando en capítulos alternos: por un lado, las charlas del protagonista, Robinette Broadhead (Bob para los amigos), con su psicoterapeuta robótico; por el otro, y anterior temporalmente, la historia de cómo él se convirtió en un hombre rico tras retornar de una expedición a bordo de una nave extraterrestre. Porque Pórtico, al que hace hace referencia el nombre de la novela, no es más que un trozo de roca cercano a la Tierra abandonado milenios antes por una raza alienígena, los Heeche, de la que poco más que nada se sabe. No obstante, Pórtico cuenta con una serie de naves espaciales preprogramables que son utilizadas por aventureros de todas las partes del mundo (de los mundos, quiero decir, toda vez que Venus ya cuenta con una población humana estable) para adentrarse en lo desconocido… y rezar por poder volver. Aunque el riesgo de morir en el intento es alto, la recompensa en caso de encontrar artefactos Heeche bien merece la pena para gente que carece de otra esperanza de conseguir el denominado Certificado Médico Completo, un salvoconducto a la longevidad que sólo los más pudientes se pueden permitir.

Para Bob, Pórtico es un sueño, la única escapatoria hacia una vida mejor. Tras muchos años de duro trabajo en una granja de alimentos sintéticos, es agraciado con un premio de la lotería que él emplea para embarcarse hacia la extraña estación de Pórtico. Una vez allí, sólo resta subirse a la primera nave disponible, cruzar los dedos… y esperar a que la nave decida el destino: ¿artefactos Heeche que te permitan convertirte en un hombre rico, o tal vez una muerte instantánea? ¿Nuevas instalaciones extraterrestres, o es más probable que la nave sea engullida por un agujero negro? Y siempre la esperanza de que, en uno de esos viajes, se pueda vislumbrar de una vez por todas a los escurridizos extraterrestres.

Pero Pohl no sólo habla aquí de naves espaciales y aliens de aspecto incierto. Pórtico es, por encima de todo ello, una novela sobre las oportunidades perdidas, sobre la cobardía (en el más amplio sentido de la palabra), sobre el amor y el desamor y, sobre todo, sobre el remordimiento. Con un estilo claro y sencillo nos introduce de lleno en un Pórtico lleno de vida y de muerte, de deseos frustrados y de ambiciones.

Una novela imprescindible para cualquier aficionado a la ciencia ficción. Y también para los que no lo sean.

Es inevitable, con el estreno de la siguiente película de la saga Crepúsculo, basada en los libros de Stephenie Meyer, hacer algunas reflexiones sobre la actual figura del vampiro en la literatura. En la pasada Hispacón, Sergi Viciana y Juan Díaz Olmedo hablaron sobre este tema y la verdad es que merece la pena echar un vistazo a cómo el vampiro ha evolucionado, sobre todo en los últimos años.

La figura del vampiro nace como algo real, al menos para las creencias de los campesinos centroeuropeos. El muerto que vuelve de la tumba, el que propaga enfermedades: el noosferos clásico que, en el siglo XVI, era estudiado de una manera incluso racional. Se entendía que el vampiro, como tal, existía. Y, desde luego, daba mucho miedo.

Con la llegada de la ilustración el vampiro queda relegado al mundo de la superstición y no es hasta la llegada de los nuevos mitos románticos -no olvidemos que el Vampiro de Polidori es en realidad Byron-, cuando aparece Drácula, de Stoker, como el vampiro moderno, capaz de dar miedo a los ciudadanos del Gran Imperio Británico. El Drácula de Stoker es capaz de entrar en Londres, el nuevo mundo, y amenazar con llevarse el alma de esos fieles creyentes. Uno de los más profundo miedos para la sociedad de entonces.

Desde ese momento el vampirismo ha dado muchas vueltas hasta llegar a donde parece triunfar hoy en día. Lo cierto es que una de las características clásicas del vampiro era que su seducción no venía dada por su belleza: era el animal interior, tan poderoso que los humanos caen rendidos a sus pies, lo que le daba ese magnetismo irresistible. El vampiro era feo, pero irresistible, una figura sexual explícita y rebelde que atacaba a la moral de su época, al contrario que el vampiro actual que parece inseguro y hasta tímido.

Ese animalismo, o feísmo, se trató durante algunos años, igual que la idea de la comunidad o grupo de vampiros que viajan juntos, se protegen y actúan como una familia. Ahí, quizás, es donde empieza un proceso por el cual el vampiro se humaniza, empieza a comportarse como cuando estaba vivo, pero sin serlo. A medida que el vampiro se hace más humano, menos miedo da. A fin de cuentas no deja de ser como nosotros, los humanos, pero con sus “cosillas“.

Uno de los cambios que marca la tendencia actual es la aparición de las novelas de Anne Rice a finales de los 70, donde el homoerotismo y la idea del comportamiento romántico, entiéndase romántico como de eterno sufrimiento y de amores perdidos, se combinaban con unos anhelos y comportamientos muy humanos. Heredera de esa tendencia es Stephenie Meyer, que da un paso más hacia la humanización y normalidad de lo vampiros. Crepúsculo ya no es una novela de terror, aunque en ella salgan vampiros y hombres lobo, es una novela romántica para jóvenes adultos. El vampiro aquí es una extensión del caballero andante, el que tenía que cumplir una misión imposible y vagaba, desconsolado, por los bosques de Bretaña. Los vampiros malvados carecen de maldad sobrenatural, son mezquinos como los humanos. No dan más miedo entonces que, por ejemplo, unos pandilleros con un par de cuchillos.

De ese modo el vampiro, que nació como un ser real, pasó a sembrar el miedo en el corazón de los puritanos, pasó a ser un tipo con amigos y ha acabado seduciendo jovencitas al salir de clase. El siguiente paso ya será contarnos cómo le va como padre de familia en una sitcom de veinte minutos.

Desde una premisa un tanto peculiar, Tigre Blanco se compone de una serie de cartas – o notas, más bien- que un avispado empresario de Bangalore tiene a bien enviarle al primer ministro chino en su visita a la India, Adiga es capaz de retratar de manera magistral los últimos quince años de la India, alternando pinceladas delicadas con gruesos brochazos.

Lo que es en realidad la historia de un muchacho, al principio sin nombre aunque reciba el de Balram Halwal, y además el de Tigre Blanco, sin que eso quite que lleve alguno más a lo largo de su narración, se convierte en un excusa para enseñar lo que en la India llaman la Oscuridad, el interior del país, bañado por el Ganges y sumido en unos usos y costumbres rayanos en lo medieval. Es curioso como la narración podría haber sido igual sobre los años veinte o sobre los sesenta. Llega a sorprender encontrarse los primeros atisbos de tecnología, como un teléfono móvil, o un centro comercial, lugar donde sólo los ricos pueden entrar.

Adiga nos enseña la India de contrastes a través de la vida de un criado que se vuelve pícaro, un hombre que aspira a mucho más de lo que tiene, animado más por una curiosidad innata que por un sentimiento de maldad. Mientras hay hospitales abandonados para miles de personas, brillantes clínicas privadas florecen de Dheli. Ciudades enteras, en la Luz, es decir, en la costa, son caldo de cultivo para las subcontratas americanas, que dan prosperidad y espacio para que los empresarios autoeducados, como Balram, puedan hacer sus negocios.

El Tigre Blanco aparece uno en cada generación y Balram es uno de ellos, el elegido para abandonar la oscuridad y, por lo menos, acercarse hasta la luz, aunque para ello descubra, admire y reniegue de su propia naturaleza.

La obra de Adiga fue galardonada con el Man Booker de 2008 y la verdad es que es un auténtico placer adentrarse en la sociedad india de manos de un narrador ágil y que es capaz de contarte desde cómo se trabaja en un salón de té a la corrupción política estatal en apenas dos párrafos seguidos y conectados de manera magistral.

Un libro recomendable al 100% de la mano de Miscelánea, y, antes de que aparezca algún traductor con el día reivindicativo, destacar la traducción de Santiago del Rey Farrés.

La plataforma web leer.es, que ha sido presentada esta semana por el Ministerio de Cultura, intenta convertirse en una ayuda para el fomento de la lectura entre los jóvenes, aunando diversos recursos, sobre todo para padres y profesores, pero también buscando que la propia web sea un elemento dinamizador. En este portal podemos encontrar, de manera bastante fácil, diferentes materiales divididos en tres grandes grupos, Leer es, Familias y Profesores. La apuesta por la participación de los jóvenes lectores es clara con apartados como Acción Especial o la posibilidad de compartir contenidos. Otro punto a su favor, es la integración de diversos formatos, como vídeos o blogs o la posibilidad de ver, a través de la agenda, un mapa con los diferentes eventos de promoción de la lectura de cada población.

El principal problema que le encuentro es el de aunar contenidos serios con una imagen demasiado juvenil, cuando se trata de una herramienta que va dirigida fundamentalmente a los educadores. Quizás con el tiempo y la aportación de los lectores se vaya ajustando más. Aunque, aquí viene el segundo obstáculo, no parece nada claro a qué edad va destinado el portal. ¿Estamos hablando de niños o de adolescentes?

Me llama la atención la presencia de materiales para preparar las evaluaciones PISA que, gracias a la insistencia de los medios, va camino de convertirse en un fenómeno parecido al COU: lo importante no es aprender sino aprobar un examen. En fin, una propuesta que podría ser interesante y que esperemos, ante todo, que tenga continuidad y que defina un poco más sus objetivos prácticos.

Vamos con una noticia para la que necesitamos primero ponernos en antecedentes. Bob García, aficionado a Tintín, músico y escritor de pastiches holmesianos, publicó cinco estudios sobre la figura de Tintín, de poca tirada y con la intención de dar a conocer al reportero a los más jóvenes. En algunos de estos libros, aparecían dibujos de Hergé a modo de cita, uso totalmente legal y respaldado por los acuerdos internacionales en material de derechos de autor; como habréis adivinado la noticia viene por culpa de los lamentablemente mal tratados, así separados, derechos de autor.

Nick Rodwell es el actual depositante de los derechos de Tintín siendo, por ejemplo, el que vendió los derechos para la adaptación cinematográfica a Spielberg. También es un celoso propietario, no permitiendo ninguna ilegalidad que ponga en peligro su cartera, cosa a la que tiene todo el derecho. Así que, Rodwell, consideró vulnerada la legalidad con los libros de García llevándolo a los tribunales. El juez determinó que García había hecho un uso ajustado a la ley del derecho a cita, cita gráfica en este caso, sentencia que Rodwell apeló, consiguiendo que el siguiente juez no sólo le diera la razón si no que condenara a García al pago de cuarenta mil euros y los gastos derivados, considerando los daños al derecho moral del autor y el derecho patrimonial.

Este pago supone para García la bancarrota, lo cual, teniendo en cuenta que no sacó un duro de las obras sobre Tintín, no deja de ser más injusto. Ante este nuevo hecho, que algunos pueden ver como un nuevo atentado a la libertad de expresión en nombre de un derecho cada vez más patrimonializado y menos moral, los aficionados a Tintín se están uniendo al pobre García, no sólo dándole muestras de su apoyo sino intentando atacar al señor Rodwell donde más le duele, en la cartera, amenazando con boicotear el Museo Hergé o la película, y derivados, de Spielberg.

Algunas voces dicen que el pobre de García se ha encontrado en medio de una guerra que no es la suya, sino que, en realidad, se trata de un enfrentamiento por los derechos de merchandising de la película, una forma de presionar para conseguir parte del pastel, aunque esta teoría conspiranoica parece demasiado rebuscada.

En fin, si tenéis curiosidad por los libros de Bob García podréis encontrarlos a través, por ejemplo, de Amazon France, donde aparecen de segunda mano a un precio nada razonable. Es probable que la polémica tenga que ver algo en los más de cuarenta euros que piden por un ejemplar, ahora convertidos en artículos de coleccionista: el libro que arruinó al fanático de Tintín.

112 años después de que Bram Stoker publicara su Drácula, novela mítica donde las haya dentro del género fantástico y de terror, su sobrino biznieto Dacre Stoker aprovecha el resurgimiento de la figura del vampiro para lanzarse, junto a Ian Holt, estudioso de la figura histórica de Drácula, a la aventura de continuar la novela del famoso escritor irlandés.

Drácula, el no muerto, es una continuación de los hechos narrados en el Drácula original. Recordemos que Drácula está, en teoría, con estos bichos nunca se sabe, muerto, Mina y Jonathan Harker casados y el resto de supervivientes del rescate en Transilvania, haciendo sus respectivas vivas.

En este nuevo libro aparece Quincey Harker, el hijo de la afortunada pareja, que ya tiene una edad suficiente como para irse de casa a estudiar, aunque lo que el desea es convertirse en actor, notablemente influenciado por la figura de Basarab, un actor centroeuropeo que tiene deslumbrada a media Europa.

Sin embargo, no todo es tan bonito como parece. Un mal antiguo resurge, Mina tiene extraños sueños, comienza a morir gente, se teme la vuelta de Jack el Destripador, aparece la inquietante figura de la diabólica Ersébetz Bathory y hasta el propio Bram Stoker aparece en la historia, introduciendo a la propia novela original dentro de la trama de su continuación.

Comentaré primero lo que me ha parecido destacable de Drácula, el no muerto.

Lo cierto es que su estructura es de novela de aventuras y su ritmo y estructura es de novela moderna, así que se lee con facilidad y se avanza con rapidez folletinesca mientras se desgranan misterios, persecuciones, traiciones y engaños. En el libro se recuperan los mismos personajes que en Drácula, aunque nos recrea viejas situaciones con nuevas perspectivas, recontando, en cierto modo, los acontecimientos que creíamos conocer. Así, durante gran parte del libro, tenemos muchas situaciones con conflicto o que plantean intrigas. Algo que, por desgracia, genera un final algo decepcionante. También es destacable el trabajo que ha hecho Roca en la edición del libro, con una excelente tipografía y muy buena calidad.

Aquellos que se acerquen al libro buscando una continuación de Drácula, no sólo en los personajes, sino también en estilo y ambientación, no quedarán satisfechos. De la estructura epistolar de Stoker no queda nada, como tampoco del toque misterioso y ocultista del irlandés. En Drácula, el no muerto se desarrolla quizá una idea que podría haberse escrito, pero desde luego carece de originalidad. Se suma a la moda de introducir personajes famosos, de usarlos para dar más apoyo a la historia, sin, a mi juicio, conseguirlo. Ciertos momentos, sobre todo a partir del último cuarto del libro, son absolutamente hollywoodienses y la historia parece más un guión que una novela. Así pues no es de extrañar que los derechos del libro ya estén colocados para un próximo estreno, así como, si las ventas acompañan, una segunda parte que el final abierto del libro promete próxima.

En resumen, una novela de vampiros moderna que no bebe del terror gótico y que acerca a Drácula a la figura del vampiro actual, lejano del ser legendario y más próximo al paradigma creado por Anne Rice y Stephenie Meyer.

Me atrevería a decir que muchos de los que estáis leyendo esta entrada habéis crecido, como yo misma, leyendo libros de Enid Blyton, sobre todo las aventuras de Los cinco. Blyton es una de las escritoras más populares del mundo, contando por millones sus ventas y siendo una constante en los estantes de los niños y niñas durante varias generaciones. Esta escritora inglesa, que también firmó con su nombre de casada, Mary Pollock, tenía preferencia por dos tipos de historias, las protagonizadas por pandillas de niños, como Los cinco o Los siete secretos, o las que ocurrían en internados ingleses femeninos, como Santa Clara; recuerdo que estos me gustaban bastante menos, supongo que por lo extraño que me parecía el escenario.

Pues bien, para la BBC, elitista como pocas, las cifras de ventas o la influencia en varias generaciones no era suficiente para considerar a Enid Blyton poco más que competente a la hora de escribir no queriéndose convertir “en una víctima más de la increíble campaña de publicidad que ha elevado a esta competente y tenaz segundona a astronómicos niveles de éxito“. Este veto fue explícitamente explicado a la autora por el responsable de La hora de los niños, Derek McCulloch, en 1950 dando así la razón a la autora que aseguraba en una carta un año antes que “yo y mis obras estamos completamente vetados de la BBC en lo que respecta a los niños, ninguna historia ha sido emitida y, por lo que se dice, ninguna lo será jamás“

Esta posición llevó a que la escritora inglesa estuviese vetada por la televisión pública británica, no sólo a la hora de promocionar sus obras o de llevar adelante programas sobre sus personajes, sino también a la hora de presentarla como personaje público y mujer de éxito; así, su aparición en el programa radiofónico La hora de la mujer se retrasó hasta 1963 cuando su primer contacto con la BBC fue en 1936 y gran parte de su obra fue escrita, y vendida, en las décadas de los cuarenta y cincuenta; en 1954 se negó su participación en el programa por considerar que rebajaría los estándares.