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Michael Moorcock es un autor de culto, conocido principalmente por su serie de literatura fantástica protagonizada por Elric de Melniboné y su espada Stormbringer. Además, Moorcock logró otros éxitos como El bastón rúnico o El campeón eterno, siempre dándole vueltas a su idea del héroe inmortal o sin rostro, un concepto de lo más interesante.

Lo cierto es que, pese al éxito de Elric, a Moorcock se le debe un enorme reconocimiento por ser uno de los editores de revista más importantes de los años setenta y artífice de uno de los movimientos de ciencia ficción más importantes de la literatura contemporánea, la new wave, con autores como Brian Aldiss o Ursula K. Leguin.

Pero Moorcock no acaba su recorrido ahí. Amante de la música rock sinfónica, también escribió letras para grupos como Hawkwind y hasta escribió una novela, un tanto lisérgica, llamada El tiempo de los señores halcones que bien podría servir como complemento de un concierto de cuatro horas acompañado de alguna sustancia recreativa.

El estilo de Moorcock siempre se ha caracterizado por una ambigüedad moral clara y un nulo respeto por la vida de sus personajes. Todos aquellos que se horrorizan con la facilidad con la que muere la gente en la obra magna de Martin, Canción de hielo y fuego, deberían leer alguna de las novelas del autor inglés para asistir a verdaderas masacres. Si alguien duda de su calidad, sólo hay que ver su historial de premios, que van desde un Nebula, a un World Fantasy o un British Fantasy, por no hablar de los reconocimientos a toda su carrera que le han otorgado en Utopiales o en la SFWA.

Sin embargo, desde los años 90 parece que Moorcok no encuentra su sitio. Sus libros han ido espaciándose en el tiempo e incluso le ha costado muchísimo encontrar editor para alguna de sus últimas obras, más por el carácter polémico de sus argumentos que por motivos literarios. Hay que tener en cuenta que el autor británico nunca ha escondido su anarquismo militante o su desagrado por las novelas de fantasía que desprecian a las mujeres, como muestra su rechazo por la serie de novelas sobre Gor de John Norman.

Personalmente, siempre he disfrutado la obra de Moorcock junto a otros autores del fantástico como Leiber o Howard, maestros de una épica de carne, sangre y huesos, alejada del misticismo maniqueo que destilan otros grandes autores del género. Ahora, mientras se piensa su próximo trabajo, podemos disfrutar de guiones suyos en la serie de la BBC Dr. Who, personaje del que se rumorea que podría escribir una novela.

La película más importante del cine español en 2010 fue, para muchos, Pa Negre. Pa Negre, que se convirtió por méritos propios en el primer trabajo rodado en catalán en hacerse con el premio máximo de los Goya (aparte de llevarse ocho “cabezones” más), adapta a la pantalla una novela de Emili Teixidor. Como gran parte del cine español de los últimos treinta años está ambientada en la posguerra, y fue dirigida por Agustí Villaronga, que se reivindicó como creador tras trabajos de cuestionable calidad como 99.9 La frecuencia del terror (1997) o El pasajero clandestino (1995). Villaronga, que había iniciado su carrera cinematográfica con la controvertida Tras el cristal (1987), ya había hecho otra adaptación de una novela en lengua catalana en 2000 con El mar, basada en una obra del mallorquín Blai Bonet, que había fallecido un par de años antes.

Otra adaptación, esta vez de 2003, fue La flaqueza del bolchevique, película de 2003 dirigida por Manuel Martín Cuenca, y basada en una novela de Lorenzo Silva. Es una película interesante, aunque de notables carencias, que se sustenta sobre todo en las interpretaciones de sus dos protagonistas, Luis Tosar (ya mencionado en la tercera parte de esta serie de artículos) y una deslumbrante María Valverde. La actriz, que debutaba en el cine a la edad de dieciséis años, se convirtió en una de las promesas del cine español, aunque su carrera posterior ha defraudado en general. Si ya nos exasperó a todos por participar en la infame cinta italiana Melissa P. (basada en el libro autobiográfico Los cien golpes, de Melissa Panarello), últimamente su carrera ya va hacia abajo y sin frenos. Protagonista absoluta de 3 metros sobre el cielo, dentro de poco verá estrenada su secuela, Tengo ganas de ti, además de otra película en la que volverá a compartir protagonismo con Mario Casas. La supuesta química con Casas hizo que se les eligiera a ambos para encabezar el reparto de la próxima película de Michael Radford, La mula, una adaptación de una novela de Juan Eslava Galán. Llena de tristeza que Radford haya acabado recurriendo a estos trucos baratos de mercadotecnia: estamos hablando, no lo olvidemos, del cineasta detrás de la adaptación de 1984 de George Orwell (película, cómo no, de 1984), y sobre todo el artífice de esa pequeña gran maravilla que fue El cartero (y Pablo Neruda), película de 1994 basada en la obra de Antonio Skármeta. Radford ya demostró con la adaptación de la shakesperiana El mercader de Venecia (2004) que ya no daba más de sí (como hicieron en esa misma película Jeremy Irons y Al Pacino), pero nunca pensé que lo vería dirigiendo una cinta cuyo protagonista fuera Mario Casas.

Otro director de cine que se hizo popular por una adaptación literaria fue Miguel Albaladejo, más concretamente al llevar a la pantalla grande al personaje de Elvira Lindo Manolito Gafotas en 1999. La relación entre Albaladejo y Lindo ha sido fecunda, y no empezó con Manolito Gafotas, por cierto: han colaborado en las películas La primera noche de mi vida (1998), Ataque verbal (2000), y El cielo abierto (2001). La escritora gaditana no tuvo nada que ver, eso sí, ni en Cachorro (2004), una de las películas que más valientemente han hablado de la homosexualidad (y más que recomendable) ni, afortunadamente, en el descenso a los infiernos de Albaladejo en 2010 cuando participó en la insufrible adaptación española de la serie estadounidense Las chicas de oro, hito en su carrera que suponemos querrá olvidar cuanto antes.

No hay que hacer un esfuerzo para saber que en el actual régimen de gobierno iraní la censura forma parte de su habitual manera de control social. La presión religiosa y política es muy intensa sobre el total de la población, llegando a prohibir, por ejemplo, películas occidentales o incluso la música rock (indispensable el visionado del documental Nadie sabe nada de gatos persas).

Pues bien, el celo de las autoridades iraníes para proteger a sus conciudadanos de las malas costumbres ha dado un paso más comenzando a trocear clásicos de su propio pasado, encontrando en el poema Khosrow y Shirin varios pasajes que podrían ser peligrosos de acuerdo a las leyes de moralidad impuestas tras la revolución en 1979.

Khosrow y Shirin (también traducida como Kosroes y Chîrîn) forma parte de los poemas épicos de Shahanameh, con numerosos referentes y variaciones a lo largo de los siglos. La versión en concreto que no ha gustado nada a los censores es la de Nezami Ganjavi, escrita en 1177 y que se venía publicando sin problemas en los últimos años.

Pues bien, el hecho de que se haga referencia al amor -amor físico, como se puede entender de frases como «ir de la mano“- ha sido suficiente junto con que algunos personajes consumen bebidas con alcohol, para sacar la tijera y decirle a la editorial Peydayesh que ya podían ir pensando en cambiar el texto para la octava edición o nada de nada.

El hecho que la censura llegue a textos clásicos escritos en el siglo XII y que pertenecen a la tradición cultural persa quiere decir que la presión sobre el mundo de la cultura en Irán se va a recrudecer y van a recortar otras expresiones artísticas como la danza. Por lo visto han decidido guiarse por la interpretación más estricta del Corán, esquilmando libertades tanto de acción como de pensamiento. Una verdadera lástima.

Blackwood, uno de los más conocidos escritores de relatos de fantasmas, creó el personaje de John Silence, un ocultista de asombrosos poderes imbuido por completo en el aura espiritista de principios del siglo XX.

Algernon Blackwood es, para muchos, clave en el desarrollo de las clásicas «ghost stories» inglesas y de su pluma muchos tendrán en la mente cuentos como La casa vacía, imprescindible para los amantes de ese terror clásico y victoriano tan característico. Sin embargo, además de esos relatos que le hicieron famoso, Blackwood tenía su propia pasión por el mundo de lo desconocido, para ser concreto, por ese esoterismo con visos racionalistas, con exponentes tan claros como Madame Blavatsky o Aleister Crowley, que le llevó a formar parte de la mítica Orden Hermética de la Golden Dawn, junto a otros escritores como Arthur Machen, W. B. Yeats o Bram Stoker.

De esa pasión nace la figura de uno de los primeros investigadores de lo oculto de la literatura moderna, un John Constantine de principios de siglo, de férrea voluntad, conocimiento antiguo y la capacidad para ayudar cuando la ciencia moderna se muestra incapaz: el doctor John Silence.

Valdemar nos trae una antología con sus mejores relatos, en los que nos encontraremos con una buena amalgama, desde maldiciones egipcias a mitos medievales, de la búsqueda de una nueva consciencia más allá de las dimensiones conocidas a la explicación de la leyenda del hombre lobo a través de la proyección espiritual. En todos los cuentos Silence se muestra como un personaje seguro de sí mismo y de su capacidad para resolver prácticamente cualquier problema.

Visto hoy en día resulta, quizás, un personaje demasiado simple pese al aura de complejidad que Blackwood trata de imbuirle, pero que, pese a todo, funciona bastante bien. La mezcla de investigación y fenómenos paranormales está muy bien integrada y resulta de lo más curioso leer lo que podría ser un predecesor de las historias de John Connolly, como pasa a veces al releer a Doyle antes de empezar con Elroy, por poner un ejemplo.

Edgar Allan Poe y el misterio de la bella cigarrera es una curiosa propuesta que nos hace Daniel Stashower en la que mezcla la investigación de un crimen y la biografía de Poe con el mar de fondo del nacimiento de la prensa amarilla en Nueva York. La muerte de Mary Rogers se cruza con la vida de Poe y sus desesperados intentos de sobrevivir económicamente; Poe ve en este caso la posibilidad de reeditar el éxito conseguido con Los asesinatos de la calle Morgue y “encarga” a su personaje Dupin el trabajo de resolver un homicidio que llevaba de cabeza a los responsables del orden público neoyorquino. Para ello Poe traslada la acción a París y la protagonista pasa a llamarse Marie Rogêt.

Mary Rogers era conocida en la ciudad por su belleza que había podido ser admirada mientras estuvo trabajando como vendedora de cigarros en un establecimiento de Nueva York. Los almacenes de cigarros eran lugar de encuentro y se disputaban los mejores clientes. Mary era un reclamo para estos, consiguiendo que el almacén de Anderson se pusiera de moda. Retratos de Mary Rogers llegaron a aparecer en los periódicos mientras la cigarrera merecía versos de algunos de los clientes literatos.

Mary tenía gran número de admiradores y, aunque ya había abandonado el trabajo cara al público al montar su madre una pensión, su belleza continuaba siendo recordada. Es comprensible, pues, que el hallazgo de su cuerpo flotando en el Hudson provocara una gran conmoción e iniciara la caza del “crimen del siglo” con gran protagonismo de la prensa que utilizó este hecho para aumentar su tirada, atacar a sus antagonistas políticos o insistir en reyertas personales.

Stashower va entremezclando en la narración capítulos sobre la vida de Mary Rogers, el crimen, el comportamiento de la prensa y las fuerzas del orden, con aspectos de la vida de Poe y sus intentos por situarse en la esfera literaria y periodística del país, intentos muchas veces frustrados por su propio errático comportamiento. Además de Mary y Poe, Nueva York es también protagonista. La ciudad todavía estaba forjando su carácter: la inmigración, fundamentalmente europea, con sus bandas y sus guetos, su estructura política, escasa, corrupta y desfasada, sus oportunidades de negocios, lícitos o no, compensados por sus crisis económicas… eran algunos rasgos reconocibles. El asesinato de Mary Rogers supuso un mazazo moral para muchos ciudadanos de esta ciudad que vieron entonces el monstruo que estaba creciendo bajo sus pies e intentaron, con llamamientos a la moral y al orden, pero tímidas acciones, cambiar la situación.

Stashower consigue una historia entretenida mezclando la biografía con la novela. Sus mejores momentos son, probablemente, los dedicados a la prensa, en los que, además de las disputas más o menos personales, se reflejan claramente los rasgos de lo que será la prensa sensacionalista y donde la verdad es sacrificada sin demasiados escrúpulos para conseguir un titular impactante. Pero no dejaba de ser hija de una época y de una sociedad, ávida por consumir escándalos ajenos.

La edición de la editorial Alba incluye un apéndice con El misterio de Marie Rogêt de Poe.

Recientemente, la NPR (la radio pública estadounidense), en su sección de literatura, pidió ayuda a oyentes y visitantes de su página web para crear una lista de los cien mejores libros de ciencia ficción y de fantasía. Para evitar los límites habituales entre ambos géneros, se hizo un llamamiento para votaciones de las mejores obras de “ficción especulativa”, que incluirían todo tipo de ci-fi y fantasía pero que excluirían obras de terror y de fantasía y ciencia ficción juvenil (así que nada de Harry Potter ni Crepúsculo). Los resultados, fruto de más de sesenta mil votos, no traen grandes sorpresas, pero sí algunas inclusiones interesantes, de obras más recientes que empiezan a formar parte del canon, convirtiéndose en referentes indispensables para nuestro tiempo y el de generaciones futuras.

Para sorpresa de nadie, la número uno absoluta ha sido la magnífica El señor de los anillos de J.R.R. Tolkien. Tolkien sigue siendo el rey de lo fantástico, y seguramente su reinado será largo y glorioso. Puede resultar más inesperada la elección del segundo, que es La guía del autoestopista galáctico, de Douglas Adams. Es interesante que un libro de ciencia ficción cómica, un género poco exitoso por lo general, haya quedado tan bien posicionado. Seguramente a muchos se les ocurrirán bastantes libros que consideren con más mérito, pero está claro que la obra, por lo menos en el mercado anglosajón, sigue gozando de una salud más que envidiable. En tercer lugar tenemos El juego de Ender, de Orson Scott Card, un clásico de la ciencia ficción recomendable para todas las edades. El cuarto puesto le corresponde a Dune, de Frank Herbert, un autor cuya fantástica imaginería se ha visto apoyada de manera repetida por el cine y la televisión. Y en el quinto lugar ya aparece George R. R. Martin, que comparte iniciales con Tolkien y poco más, ya que su interpretación de la fantasía épica, que incluye poca fantasía y bastante épica, y que domina a la perfección el desarrollo de personajes y el casi televisivo cliffhanger, ha hecho de su saga Canción de hielo y fuego uno de los best-sellers más interesantes de los últimos tiempos. Que el lector medio pueda interesarse por la fantasía, un género frecuentemente denostado, es algo que tenemos que agradecer a Martin los amantes de la épica con tintes adultos.

En los puestos 6 y 7 nos encontramos con dos clásicos de la distopía: 1984, de George Orwell, y Fahrenheit 451, de Ray Bradbury. Al mencionar estos títulos uno no puede evitar pensar también en Un mundo feliz, de Aldous Huxley, pero éste se queda en el noveno lugar, adelantado por la trilogía Fundación de Isaac Asimov. En el décimo puesto tenemos de nuevo a un escritor más cercano a nuestro tiempo, a Neil Gaiman con su American Gods, representante de un nuevo tipo de fantasía oscura, mezclada con la mitología, que ya desarrolló en su conocido cómic Sandman (que por cierto obtiene el puesto 29 de la lista).

Podéis encontrar el resto de la lista, donde figura una abundancia de clásicos (desde Moorcock a Arthur C. Clarke, de Heinlein a Julio Verne), junto a una refrescante cantidad de escritores actuales (Pratchett, Dan Simmons, Neal Stephenson o Susanna Clarke, entre otros). Como con cualquier lista de votación popular, surgen quejas y recriminaciones: algunos autores se repiten demasiado, otros faltan. ¿Cuál es vuestra opinión? ¿Creéis que es una lista representativa (hay que tener en cuenta, además, de que se trata de una lista elaborada desde la perspectiva estadounidense)? ¿Cuál es, a vuestro juicio, el mejor libro de ficción especulativa que existe?

Cualquier cosa que diga o haga el autor francés Michel Houellebecq, al que unos consideran paradigma de la posmodernidad literaria y otros simplemente un bocazas misógino y racista, se magnifica. Pero por encima de todo, no hay nada que lo haga protagonizar más noticias que la edición de un nuevo libro. ¿Será que el tan odiado Houellebecq, por encima de todo, es uno de los escritores más importantes de nuestro tiempo y cuenta por cientos de miles, no los detractores, sino los lectores?

Pues la fecha elegida para la publicación de El mapa y el territorio, que así se llama su nueva novela, es el 30 de agosto. El libro viene, como se suele decir, con un pan bajo el brazo, más concretamente con el premio Goncourt (como ya informamos en Lecturalia hace unos meses), un prestigioso galardón del que Houellebecq ya había sido finalista en dos ocasiones, con Las partículas elementales y con La posibilidad de una isla. Esta vez sí pudo hacerse con él. En palabras de Didier Decoin, uno de los máximos responsables de la Academia Goncourt (institución que entrega anualmente el premio), “El mapa y el territorio es un libro formidable, muy humano, que capta las angustias, los sueños y los delirios de la sociedad contemporánea. Y el Goncourt debe ser un espejo de su tiempo”.

Y es que Houellebecq, por mucho que viva semi recluido en Cabo de Gata, Almería, lejos de sus compatriotas (tanto de sus fanáticos como de los que quieren ver su cabeza clavada en una pica), no es impermeable a todo lo que le rodea. Y también se hace viejo, tal y como parece decirnos al afirmar que cada vez le interesa menos el sexo. Todo parece indicar que esta novela será, dentro de su producción, posiblemente la que menos importancia concederá a la parte sexual de la sociedad y el hombre contemporáneo.

Es imposible que Houellebecq, pese al Goncourt y las grandes perspectivas de éxito entre el público y la crítica, no vaya acompañado por la polémica. En este caso por haber utilizado en varias partes del libro citas literales de la Wikipedia en idioma francés. Tan literalmente que, tal y como podremos leer en los agradecimientos de la edición en español, Houellebecq anota “Doy las gracias también a Wikipedia y a sus colaboradores, cuyas notas he utilizado como fuente de inspiración, especialmente las relativas a la mosca doméstica, la ciudad de Beauvais y Frédéric Nihous”.

Vuelvo a Didier Decoin, que desvela una parte trascendental del argumento del libro, una suerte de spoiler que los editores no sólo no han ocultado (pese a que sea algo fundamental en el último tercio del libro), sino que han difundido para alimentar la controversia. Dice Decoin: [SPOILER]“Admiro a un autor que puede adentrarse en el abismo, como cuando cuenta su propia muerte y describe su cadáver”. Y es que Houellebecq es uno de los protagonistas de la novela, describiéndose a sí mismo como un amargado maloliente y cínico al que, al final, asesinan. Tal cual.

Todo parece dispuesto para que El mapa y el territorio se convierta en uno de los best-seller del año en Europa, por mucho que moleste a todos los detractores del enfant terrible de las actuales letras francesas.

Publio Virgilio Marón, más conocido simplemente como Virgilio, es uno de los grandes autores de la literatura universal y, circunscribiéndonos a la Antigüedad Clásica de Occidente y dejando a un lado autores asiáticos, también uno de los más antiguos de los que conocemos ya no sólo su obra, sino también gran parte de su vida. De su obra cabe mencionar las Geórgicas, las Bucólicas, y por encima de todas ellas la Eneida, obra que lo hizo inmortal. Escribió muchas otras obras menores, algunas tan curiosas como un poema en el que explicaba como realizar el moretum, un aderezo muy popular en la cocina romana de su tiempo.

Pero en su biografía encontramos una anécdota especialmente curiosa. Y es que al bueno de Virgilio, al que Dante lo haría protagonizar siglos después su Divina Comedia, no se le ocurrió otra cosa que organizar un fastuoso funeral en honor de su recientemente fallecida mascota. En sus tierras, además, mandó construir un mausoleo para que reposaran los restos de su pequeña amiga. Porque era pequeña, muy pequeña: la mascota en cuyos funerales Virgilio gastó la friolera de ochocientos mil sestercios de la época, era una simple mosca. La salud mental del poeta, que ya era más que conocido en esos años, fue puesta en entredicho por propios y extraños, que sin embargo se afanaron en participar en las celebraciones fúnebres. Más que nada porque no todos los días tiene uno la oportunidad de asistir a una fiesta de tal calibre en honor de un insecto.

Virgilio, en realidad, no estaba nada loco, y todo formaba parte de un plan magistralmente trazado para burlar la legislación romana. Incluso la elección de una mosca como inquilina del mausoleo que edificó podría tomarse como una gran broma. Y es que Virgilio, que contaba con amigos en las altas esferas del gobierno romano, había sido avisado de que el triunvirato formado por Marco Antonio, César Octaviano y Marco Emilio Lépido planeaba una nueva ley por la cual se expropiarían tierras de terratenientes para ofrecérselas a soldados retirados. La ley, que finalmente fue aprobada y tras la cual todos comprendieron que Virgilio había obrado sensatamente, tenía una excepción: quedaban excluidas de la expropiación todas las tierras que fueran consideradas tierra sacra. Esa fue la función del mausoleo de la mosca de Virgilio, ni más ni menos.

Cambiando de tema, y siguiendo con las curiosidades, a día de hoy convivimos diariamente con un símbolo, el de la arroba (@), que gracias a la informática ya es casi omnipresente. Su nombre no es casual, ya que es el símbolo con el que se representaba la unidad de medida de la arroba (unos doce kilos, más o menos). Durante mucho tiempo se creyó que la primera representación escrita de este símbolo fue en una carta fechada en 1536 en Sevilla y con destino a Roma, redactada por un mercader italiano, Francisco Lapi, y en la que, seguramente porque ya era costumbre (aunque no se conocían más ejemplos de su utilización), abreviaba con la @ la unidad de peso. Sin embargo, en 2009 el historiador aragonés Jorge Romance refutó la teoría de que la @ fuera de origen sevillano, hablando de referencias aún más antiguas, como por ejemplo una de 1448, en la llamada taula de Ariza, e incluso de años anteriores a este en otros registros del Archivo del Reino situado en Zaragoza.

El símbolo de la arroba (@), para terminar, fue elegido por el programador Ray Tomlinson en 1971 en los primeros coletazos de ARPANET, la precursora de la actual Internet, que era un sistema de interconexión de ordenadores sufragado por el Departamento de Defensa de Estados Unidos. Lo eligió porque, en inglés, el símbolo de la arroba se lee “at”, por lo que es indudable que parecía hecho a propósito para unir los nombres de usuarios y los servidores en donde tenían alojadas sus cuentas. La @ ya existía en todos los teclados y no se usaba para nada, así que fue una elección más que lógica y que posibilitó que hoy en día este símbolo sea universal.

Las mejores adaptaciones al cine de novelas de autor español no siempre se basan en clásicos, o son películas de la época dorada de nuestra cinematografía. También hay casos recientes. En 2009, por ejemplo, se estrenó una película que, contra todo pronóstico, recaudó millones de euros y fue aclamada tanto por crítica como por público, algo más que inusual en un país en el que las obras más taquilleras suelen ser infamias del tipo 3 metros sobre el suelo (remake de una película homónima italiana basada en una novela de Federico Moccia, por cierto), Mentiras y gordas o la saga del inefable Torrente. Estamos hablando de Celda 211, película dirigida por Daniel Monzón y protagonizada magistralmente por Luis Tosar, posiblemente el mejor actor español de la actualidad, con permiso de Javier Bardem. Los dramas carcelarios son un género en sí mismo en cine y literatura, aunque en España no hemos recurrido a ellos con tanta profusión como en Estados Unidos. Celda 211, basada en una novela de Francisco Pérez Gandul, fue la película del año, arrasando en los premios Goya (8 premios, 16 nominaciones), teniendo cierta repercusión fuera de nuestras fronteras, y encumbrando ya definitivamente a Tosar como una auténtica estrella de nuestro cine. Y todo ello pese a la participación de Antonio Resines en la cinta, lo que es meritorio.

Otra sorpresa de la taquilla, esta vez de 2005, fue la a veces fallida El método, de Marcelo Piñeyro. Piñeyro, argentino de nacimiento pero que también posee la nacionalidad española, adaptó al cine una obra de teatro (El Método Grönholm) del barcelonés Jordi Galceran i Ferrer, que a su vez ha sido también guionista del cineasta Jaume Balagueró. La adaptación no es ni mucho menos fiel, y no parece que Galceran diera su total bendición al resultado final. Sin embargo, El método fue una película notable que seguramente brilló más de lo necesario pese a que 2005 no fue precisamente un mal año para el cine español (se estrenaron, entre otras, algunas buenas películas como 7 Vírgenes, La vida secreta de las palabras, Princesas, Habana Blues o Quince días contigo). También de ese año es otra adaptación, en este caso de una novela del escritor guipuzcoano Bernardo Atxaga. Se trata de Obaba, de Montxo Armendáriz. La película, tal vez demasiado compleja para los gustos habituales del público español, fue acogida con entusiasmo por parte de la crítica, y se trata en cualquier caso de una buena adaptación de uno de los escritores más representativos de nuestras letras en la actualidad.

Da la casualidad de que la película que hizo que Armendáriz cobrara popularidad entre el gran público, y eso pese a no ser un autor novel y contar ya con grandes películas a sus espaldas como Tasio (1984) o 27 horas (1986), fue también una adaptación. Historias del Kronen, basada en una novela de José Ángel Mañas, se estrenó en 1995 y se convirtió rápidamente en una de las películas más controvertidas del cine español de fin de siglo. Supuestamente transgresora y fiel espejo de la juventud española de su tiempo, contaba con una banda sonora interesante (con muchos de los mejores grupos del panorama independiente de aquella época) y poco más. Sin embargo, la polémica siempre vende, y fue una cinta que hizo buenos números en taquilla, que convirtió a Armendáriz en un director a tener en cuenta (como si lo hubiera necesitado) y que transformó en estrella a Juan Diego Botto, protagonista total de la obra.

Hasta hace poco, publicar libros en Amazon era cuestión de autoedición. A través de Amazon Publishing, el gigante de las ventas ofertaba esa posibilidad a cualquiera que quisiera ofrecer su material, posicionándose como uno de los lugares favoritos para los autores del «hágaselo-usted-mismo», muchos de los cuales consiguen unos ingresos más que respetables.

Pero Amazon ha decidido dar un paso más y entrar en el terreno editorial con todas las de la ley, dispuesto a iniciar un nuevo proyecto que puede crear no pocas polémicas con las grandes editoriales americanas. Hace poco saltaba la noticia de que Apple, junto a empresas como McMillan, podían haber negociado en secreto para forzar a Amazon a abandonar su política de precios en ebooks; la respuesta a esto puede ser la aparición, por sorpresa, de la rama editorial en papel de Amazon.

Para comenzar su andadura, Amazon ha conseguido a un autor superventas en EEUU, Timothy Ferriss, autor de libros de autoayuda para todos los públicos, y que con The 4-Hour Body, publicado por Random House, se había colocado en los puestos más altos de venta de su segmento. Las condiciones normales de Amazon suelen ser más favorables a la hora de repartir los beneficios, y es de suponer que se habrán puesto las pilas a la hora de ofrecer adelantos sustanciosos y promoción de primer nivel. El escaparate, por supuesto, ya lo tienen y es uno de los más visitados del mundo.

¿Problemas? Los Estados Unidos tienen una gran tradición anti-monopolio que puede afectar a Amazon si se lanza definitivamente al mercado del best-seller. Pasaría a ser, en la mayor parte de las ventas, editor, librero y prácticamente distribuidor. Si sus condiciones comienzan a ganar escritores no sería de extrañar que alcanzara una posición dominante en el mercado editorial y eso podría llevar a una profunda investigación.