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Hoy día 5 de marzo se cierra una de las trilogías europeas que más taquilla han conseguido en los últimos años: La reina en el palacio de las corrientes de aire es la tercera de las adaptaciones basadas en los libros del desaparecido Stieg Larsson.

El estreno llega en medio de una nueva polémica, la de la publicación del libro de su amigo Kurdo Baski, y con la incertidumbre que han generado las declaraciones de su viuda sobre la posibilidad de un cuarto libro que siguiera las aventuras de la hacker más imprevisible y su amigo el casanova sueco.

Sea como sea, Salander y Blomquist cierran en pantalla la historia que ha arrastrado a miles de lectores y espectadores a sus salas. En cierto modo, como ya comentamos, la tercera entrega es la más decepcionante de las tres si bien, mirándolo en perspectiva, puede que sea la que mejor se puede adaptar a la gran pantalla ya que tiene mucha más acción -algo increíble en el libro-, pero que en el lenguaje cinematográfico actual puede quedar hasta comedida.

Eso sí, espero que las escenas judiciales y la trama política interna sueca queden un poco más aligeradas, ya que había trozos enteros en el libro que inducían directamente a saltarse párrafos o a echar una cabezadita: en el cine eso, precisamente, sería una falta de ritmo que no se pueden permitir.

Aquí os dejamos con el tráiler de la película en castellano, ¡a disfrutar!

Si se tiene que escoger una sola obra para hablar de la literatura gótica del siglo XVIII y XIX está claro que El monje, escrito por Matthew Lewis en 1796 es la mejor candidata de todas. Su lectura ha fascinado a generaciones enteras atraídos por el ambiente oscuro y tenebroso de sus páginas.

El monje trata de sobre el opresivo ambiente religioso en la España de la época, con la Inquisición de por medio, premoniciones, amores secretos, duelos, maldiciones, criptas, engaños, demonios, asesinatos y fantasmas. ¿Quién puede dar más? Lo cierto es que es una de esas obras fundamentales para todo aficionado al terror aunque su estilo recargado pueda rechinar hoy en día. Personalmente, me encanta, sobre todo ese final sombrío y desolador al que incluso actualmente más de un editor pondría pegas.

Pues bien, el próximo 19 de Abril comienza el rodaje, en coproducción franco-española, de El monje, cuyas primeras tomas se realizarán en el Monasterio de Santes Creus en Tarragona y luego pasarán a filmar en Girona y Francia.

Con un presupuesto aceptable, aunque no muy alto, 11 millones de euros, Diminik Moll, director conocido por su divertida -y oscura- Harry, vuestro amigo que os quiere, tendrá que sacar lo mejor de sus actores, Vincent Casell -Promesas de Este, Doberman, El odio- y el español Sergi Lopez -El laberinto del fauno, El cielo abierto, Harry, un amigo que os quiere-, Geraldine Chaplin -uf, de Doctor Zhivago a El orfanato, decenas de películas- , Déborah François y Rosa Renom.

Lo cierto es que cuenta con un buen plantel para una película que tiene todos los números para convertirse en una obra de culto a poco que Moll logre reproducir el insano ambiente de El Monje, una obra que puede adaptarse sin ningún problema al lenguaje cinematográfico y que tiene suficiente trasfondo como para realizar un guión en condiciones. En el apartado de arte contará con un profesional como Antxón Gómez, habitual de las últimas producciones de Almodóvar, como La mala educación o Hable con ella, que tendrá que demostrar cómo se desenvuelve en una producción de época junto a la diseñadora de vestuario Bina Daigeler, con más de cuarenta películas a sus espaldas.

En esta ocasión no podemos dejaros un tráiler de la película ya que no ha comenzado siquiera el rodaje. Por ahora esperamos impacientes las primeras imágenes y con la esperanza de que no se convierta en una adaptación tan fallida como lo fue finalmente Solomon Kane.

Para los detallistas, no es la primera adaptación de El monje: en 1973 Ado Kyrou llevó al cine un guión de Luis Buñuel que contó con actores tan conocidos -en la época- como Franco Nero o Nathalie Delon. Al parecer, la obra de Lewis era considerada de culto entre el movimiento surrealista y de ahí el proyecto, que contó con un buen presupuesto y un gran equipo técnico. La película El Fraile (1991), de Paco Lara también estaba basada en El Monje, pero casi que la dejamos sólo para los muy aficionados a la Serie B.

Uno de los acontecimientos literario-cinematográficos de la temporada va a ser, sin duda alguna, el estreno de la película basada en la última novela de Cormac McCarthy La carretera.

Ganadora de un premio Pulitzer y merecedora del aplauso de la crítica en todo el mundo, no deja de ser una novela difícil de leer y que puede, por su estructura y técnica, ahuyentar al lector más voluntarioso. De todas formas, desde Lecturalia recomendamos esta novela y, si acaso, el visionado de la película como zanahoria lectora.

Al desarrollarse en un entorno post-apocalíptico se ha discutido entre la crítica si La carretera debía pertenecer al género de la ciencia ficción o no, o si, de ponerle una etiqueta, no se acercaría más al terror. Lo cierto es que la película sigue los pasos del libro y se muestra poco dada a la clasificación. Lo que podemos decir es que no es una historia complaciente, que no es apta para estómagos sensibles y que puede servir para purgar el exceso de maravilla y buen rollo que se puede haber acumulado en el cuerpo después de ver Avatar.

Dirigida por John Hillcoat, autor de La propuesta, un sólido western con guión de Nick Cave, y con guión adaptado de Joe Penhall, el reparto de La carretera no está nada mal y cuenta con actores que no necesitan demasiada presentación como Viggo Mortensen, Robert Duvall o Charlize Theron.

Para los que no tengan claro de qué va exactamente la película: Un padre y su hijo tratan de sobrevivir en un entorno destrozado tras un cataclismo que ha dejado la tierra yerma y oscurecido el sol. Los dos viajan hacia el Sur en busca de calor, de esperanza. Por el camino se encuentran caníbales y bandas desesperadas mientras tratan de buscar comida y combustible…

Os dejamos, como siempre, con el tráiler de la película que se estrenará el 5 de Febrero en España.

Cressida Cowell es una escritora e ilustradora conocida por sus libros basados en la historia de un joven vikingo y un dragón del que se hace amigo y al que enseña numerosos trucos. Las historias sobre “Cómo entrenar a tu dragón” -que incluyen la variante de “Cómo entrenar a tu vikingo“, escrito desde el punto de vista del dragón- han logrado un gran éxito entre los más jóvenes y, como viene siendo habitual desde la Recicladora de Ideas que se ha vuelto Hollywood, ya tenemos al alcance la versión adaptada, y animada, de las historias escritas por Cowell.

El equipo encargado del guión es un experimentado grupo en su mayoría forjado en la antigua factoría Disney y la productora es la de Steven Spielberg, Dreamworks, una de las pocas capaces de hacerle sombra a Pixar con sus producciones -aunque sea más por sus historias y saber hacer que por su técnica-, como por ejemplo la serie de Schreck, por todos conocida.

La película nos vendrá, también como es habitual de un tiempo a esta parte, preparada para verse en 3D y también en IMAX, allá donde utilicen ese tipo de cines para algo diferente a poner documentales de peces. En cuanto a la historia, prometen divertidas aventuras por parte de Hipo Horrendo Abadejo III y su dragón no-demasiado-grande. De entrada, por lo que podemos ver en el avance, el dragón resulta un bicho de lo más mono y la animación en general está muy conseguida.

El estreno mundial será el 26 de marzo de 2010, así que tenemos tiempo, si queremos, de ponernos al día en el mundo vikingo creado por Cowell y aprender un poco de Dragonés, el idioma de los dragones, con otro de sus libros. Por ahora os dejo con el tráiler de la película. ¡A disfrutar!

En 1984 a alguien se le ocurrió que David Lynch sería el tipo ideal para adaptar la obra de Frank Herbert, Dune, todo un superventas de la ciencia ficción -aunque si es realmente ciencia ficción o una novela de fantasía es uno de los debates recurrentes entre los aficionados al género-, que ya había sufrido un intento de adaptación por parte de Alejandro Jodorowsky que trató durante cinco años de implicar a Orson Wells, Dalí, Chris Foss a Pink Floyd y hasta a H.R. Giger -que realizó unos diseños alucinantes-, para no conseguir al final su objetivo.

Así que Lynch realizó su película ajustando bastante el metraje y… contando la historia muy a su manera, de tal forma que para muchos seguidores de Dune, el libro, la película es bastante mala y, para que no se diga, también se produjo el fenómeno inverso, con muchos fans de la película a los que la novela -y sus incontables continuaciones- les aburre sobremanera.

Bien, todo esto viene porque treinta años después, y en medio de la ola de creatividad en el cine (ejem), Paramount está preparando el remake de la película que se haya en estos momentos en los primeros pasos de su producción. De entrada ya han cambiado el director, de Peter Berg a Pierre Morel. El guión sobre el que se está trabajando es de Josh Zetumer, que hizo de una novelita corta de Fleming la película Quantum of Solace, y ahora le toca lo contrario, de una novelaza gigante reducir la historia a una película.

Pierre Morel es francés y está ligado a la factoría inagotable de Luc Besson, primero ayudando en películas como Transporter, Amor y otros desastres o War, y luego como director en Taken, una violentísima cinta protagonizada por Liam Neeson, o Distrito 13, con un montón de yamakasis haciendo piruetas por las calles de París.

Sin duda una elección interesante, a la vez que arriesgada. Uno de los problemas de Dune es la lentitud -otros lo llaman “complejidad“- de sus tramas. Desde luego, Lynch no se propuso en absoluto darle más ritmo, pero la contratación de Morel indica lo contrario, ya que pertenece a esa nueva escuela francesa capaz de ponerte los pelos de punta a base de puro movimiento de cámara.

Ahora, por favor, que no se pasen al 3D como locos, no creo que Dune sea la mejor historia del mundo para sufrir las gafotas bicolores durante mucho rato sin que haga falta en realidad. Aunque si al final la cosa va de saltar por encima de los gusanos de Arrakis dando volteretas, igual hasta se agradece.

Robert E. Howard fue uno de los autores de literatura fantástica más influyentes de principios del s.XX, pese a que sus novelas fueran publicadas en colecciones Pulp y que, desgraciadamente, decidiera suicidarse a los 30 años.

La creación más famosa de Howard es Conan el bárbaro, personaje que le trascendió, se convirtió en un franquiciado al que otros escritores se han dedicado durante años, y acabó convirtiéndose en una popular serie de películas protagonizadas por el hoy gobernador de California Arnold Schwarzenegger y en una longeva colección de cómics con el bárbaro como protagonista.

Sin embargo, durante esa época dorada del Pulp, Howard dio a luz a otra de sus creaciones, quizá menos conocidas pero que en breve sufrirá de una nueva popularidad. Estamos hablando de Solomon Kane.

Solomon Kane es un héroe -yo diría que antihéroe-, inglés, nacido durante la época isabelina, puritano, sombrío y sanguinario, que está dedicado a la erradicación del mal del mundo en cualquiera de sus formas y casi a través de cualquier método a su alcance. Las aventuras de Kane cubren casi toda Europa y parte de Áfica, y sus aventuras, siempre enfrentado a algún ser diabólico o malvado, comprendieron 9 novelas y varios cuentos cortos o fragmentos que Howard dejó inacabados. También hay tres poemas escritos para completar ciertas partes de las novelas.

Tras la muerte de Howard se han realizado adaptaciones al cómic durante los años 70 y 80 y parece ser que se va a retomar el personaje, aunque todavía no se ha puesto en el mercado si bien es cierto que el próximo estreno de la película relance el proyecto.

Y es que el 23 de diciembre se estrena en Francia y el 1 de Enero en España la adaptación al cine de Solomon Kane, cuyo argumento difiere un tanto de las novelas, en tanto en cuanto que trata de ofrecernos el origen de Kane, algo que Howard, creo recordar, nunca hizo. A partir de ese momento, parece que si que seguirá el esquema más Pulp de las historias escritas por Howard. ¿Para asustarse? Es posible, tan sólo nos queda confiar en el trabajo del director Michael J. Basset, autor de una película llamada La sombra del mal, una pequeña joya del cine de terror estrenada en el 2002 y de lo más recomendable.

Por ahora, nada más que dejaros con el trailer de Solomon Kane, y esperar por una adaptación piadosa.

Al parecer, Will Smith no quiere que el Oscar a mejor actor se le resista mucho más y, tras unas lucrativas películas en las que tampoco tenía que trabajar mucho la parte de interpretación y sí la de musculito, decide volver al ataque de la manera más segura que hay para ganarse los halagos y los mimos de la Academia de Hollywood: Hacer de retrasado mental.

Es un viejo axioma sobre ese tipo de papeles, si eres cojo, ciego, retrasado, sordomudo, vamos, discapacitado, eso te da un extra de puntos. Además, con que la lágrima pueda surgir fácil y la historia esté bien llevada… el Oscar no se te puede escapar.

Pues bien, Will Smith ha decidido protagonizar una de las obras clásicas de la ciencia ficción, en su vertiente menos galáctica, eso sí, llamada Flores para Algernon. Escrita por Daniel Keyes en 1959, consiguió el Premio Hugo, el más prestigioso de la CF americana, en aquel mismo año, si bien era una novela corta. En 1966, Keyes amplió el escrito a novela, ganando el Premio Nébula.

Sin embargo, no sería la primera versión de la novela, ya que en 1968 Cliff Robertson ya consiguió un Oscar por la adaptación llamada Charlie. ¿Podrá Smith repetir el éxito? A priori es una buena historia para él, ya que el personaje principal no sufre una enorme deficiencia y la mitad de la historia la pasa evolucionando hacia la normalidad. La verdad es que es una historia que da para mucho juego y que, sobre todo para la gente que no conoce el libro, puede ser uno de los bombazos de la temporada. Eso si no se vuelve loco nadie y tenemos a Will Smith escalando edificios, persiguiendo alienígenas o salvando al mundo antes de desayunar. Que no parece que vaya a ser el caso, pero uno ya está curado de espanto.

Por ahora no hay un director definitivo elegido para la película y la producción está en sus balbuceos iniciales. Lo cierto es que no hace falta un gran presupuesto -si dejamos a un lado el sueldo del protagonista, claro-, ni demasiados alardes en postproducción, así que es posible que el rodaje y posterior montaje de la película no se alargue demasiado. Ya veremos qué versión nos trae Will Smith a finales de 2010.

Dentro del género de terror, o de la nueva fantasía, si nos ponemos específicos, Clive Barker es posiblemente, junto con Neil Gaiman, uno de los que más presencia puede tener en la actualidad en el mundo del cine, los videojuegos o la literatura, con el permiso, claro, de Stephen King, que juega en la liga de los galácticos.

Barker, a quien en el Festival de Sitges le rinden homenaje este año, es un escritor con muchos aciertos y muchos fallos. Su imaginación, por un lado, es prodigiosa, tanto para crear personajes, situaciones o momentos de incomparable tensión y transgresión; esa misma imaginación a la que a veces es incapaz de poner freno y se desboca en cientos de páginas que poco o nada aportan a la historia. De él siempre se ha dicho que era mejor cuentista que novelista, mejor creador de atmósferas que director. Y, la verdad sea dicha, no es así del todo: Barker es, ante todo, un creador irregular haga lo que haga

Como escritor tiene cuentos memorables, las antologías de los Libros de Sangre suponen un auténtico bombazo del género, y frente a novelas algo fallidas como El gran espectáculo secreto, tiene delicias como Imajica. En cine le pasa algo parecido, pero con la dificultad añadida de enfrentarse, en ocasiones a brazo partido, con productoras implacables.

Su obra más famosa es, y será, no me cabe duda, Hellraiser. Película de bajo presupuesto y con guión propio, la estética de Pinehead, el cenobita protagonista, es uno de los iconos modernos que más impacto y reconocimiento producen. Antes, Barker ya había guionizado Rawhead Rex, personaje que luego retomarían para el cómic basado en Razas de Noche, que no pasaba de ser una serie B con cierta gracia.

Pocos años después se pasaría al mercado americano con Razas de noche, basado en una de sus novelas cortas, y allí es donde sufriría más el envite de los productores, dejando una historia que prometía mucho en una obra correcta pero a la que le falta mucho para ser lo que se esperaba de ella. En el año 95 dirigió una obra discreta, El señor de las ilusiones, con varios de los elementos característicos de Barker, cierto realismo sucio, sectas, magia y cine negro, adelantándose varios años a la saga de John Connolly y el detective Charlie Parker.

Para el 2011 está anunciada Animae Damnatae, pero la verdad es que las películas basadas en libros basados en líneas de figuritas de Todd McFarlane, casi que no deberían ver la luz del amanecer en cualquier universo con algo de dignidad.

De todas formas, las películas basadas en los libros y cuentos de Barker, con o sin guión suyo, forman uno de los corpus terroríficos que rayan la serie B con una calidad más que aceptable y que no suelen decepcionar. Hay películas como Candyman (1992), incluso Candyman II (1995), las continuaciones de Hellraiser (pero no todas, todavía tiemblo, y no de miedo, con las últimas que vi), con El tren de la carne de la Medianoche (2008) y Los libros de sangre (2008), Demonik (2007), etc, etc.

Además, Barker explora nuevos campos y lleva varios años colaborando en la creación de videojuegos, uno de los negocios con mayor expansión y crecimiento en el mercado del ocio para adultos de la última década. Ese espíritu de innovación, de ganas de reinvertarse y buscar siempre la originalidad, es la marca de la casa de Clive Barker.

Philip Kindred Dick, escritor estadounidense nacido en 1928 y fallecido en 1982, no es tan sólo uno de los autores más importantes de la historia de la ciencia ficción, sino también uno de los escritores que más veces se han adaptado al cine (aunque difícilmente llegará a superar jamás a Stephen King, del que se ha adaptado gran parte de su obra).

La razón de que Dick sea tan popular entre guionistas y directores podría basarse tanto en una fecunda imaginación muy adelantada a su tiempo, como en su creación de historias asombrosas protagonizadas por, vamos a decirlo con mucha precaución, héroes un poco atípicos. Porque es evidente que en la mayoría de sus novelas y cuentos, los protagonistas suelen ser personajes poco habituales, atrapados en situaciones inverosímiles y carne de cañón para el psicoanálisis más profundo. Todavía extraña, pues, que Woody Allen no se haya embarcado en un proyecto basado en su obra. Tiempo al tiempo.

Si hablamos de Dick y el cine, hay que empezar por el principio, no solamente porque Blade Runner (1982) fuera la primera adaptación, tampoco porque Dick en persona estuviera indirectamente involucrado en el proyecto (aunque nunca pudo llegar a ver el resultado ya que murió cinco meses antes del estreno), sino por la importancia que la cinta dirigida por Ridley Scott ha cobrado desde su aparición. Blade Runner ha trascendido al género de la ciencia ficción, y es considerada por muchos como una de las grandes obras maestras de la historia del cine. Sin embargo, ¿es una buena adaptación de ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, la obra en la que se basa? Seguramente no, y es muy probable que Scott lo prefiriera así. Muchos “cinéfilos” (las comillas son necesarias) no muy duchos en ciencia ficción literaria se han acercado a la corta novela de Dick por mera curiosidad, sorprendiéndose de los pocos puntos en común entre ambas obras, y han llegado a asegurar que la película es superior a la novela. Seguramente: estamos hablando de una obra menor del autor, y comparándola con una película inolvidable. Las comparaciones suelen ser odiosas, y en este caso son injustas. No hay ningún problema en esto: la incultura se cura leyendo, y podrían llevarse una gran sorpresa comparando la siguiente adaptación al cine de Dick, Desafío Total (1990), con el cuento en que se basa, Podemos recordarlo por usted al por mayor. En este caso tampoco nos encontramos ante una adaptación pura, y aunque la película es muy entretenida, no deja de ser un vehículo de lucimiento de Arnold Schwarzenegger; el cuento, en cambio, es una pequeña joya que posee uno de los finales más impactantes de la obra corta del escritor.

Otras adaptaciones han sido francamente insatisfactorias: Minority Report (2002) cambia por completo la intención del autor (la misma inclusión de Tom Cruise como protagonista habría hecho enfurecer, seguramente, a Dick) y se queda en una mediocre intentona; Paycheck (2003) no puede ser tomada en serio, ni como película de acción ni como adaptación; Next (2007), una buena película a su manera (una manera muy particular, aclaro), tampoco es una adaptación, sino que recoge una pequeña idea aparecida en el mediocre cuento El hombre dorado para formar a su alrededor una especie de thriller algo rebuscado pero interesante.

Las dos mejores adaptaciones de la obra de Dick son, precisamente, y dejando a un lado la canadiense Asesinos Cibernéticos (que no tengo el gusto de haber visto), las dos menos conocidas. A Scanner Darkly (2006), la primera, es una obra que, imagino, habría sido muy del gusto del autor (que la habría visto acompañándola de algunas… llamémoslas “vitaminas”); Infiltrado (2002), por su parte, es posiblemente la más fiel al autor estadounidense. Basada en su cuento Impostor, esta película de presupuesto medio recoge de manera honesta la intencionalidad que Dick depositó en su relato, conformando un muy buen producto que, no obstante, sólo es apto para consumidores habituales de ciencia ficción o películas de serie B.

Siempre he asociado a Paul Auster con el mundo del cine, es una sensación extraña, quizá por la mezcla entre narrador, guionista y director que arrastra de un medio a otro sus obsesiones. Ahí tenemos como director Lulú en el puente o La vida secreta de Martin Frost. La música del azar fue llevada al cine también y ha sido co-guionista de Smoke, dirigida por Wayne Wang.

Ahora nos llega la noticia de la adaptación de Tombuctú, una pequeña joya literaria del mejor Auster, y la verdad, teniendo en cuenta que el hilo conductor de la novela es Mr.Bones, un perro, que cambia de amo en amo, pero que quiere estar siempre junto a Willy G. Christmas, un vagabundo de verbo incontenible, no tengo muy claro qué tipo de película nos pueden ofrecer.

Como guionista y directora han contratado a Diane English, procedente del mundo televisivo donde consiguió un enorme éxito hace unos años con la serie Murphy Brown, y que sólo ha dirigido una película, The Women, un remake de una película del año 1939 y que ha pasado más bien desapercibida.

¿Cómo van a contar la historia de Mr.Bones y Willy, el poeta vagabundo? La verdad es que se puede hacer de muchas formas, pero espero que ninguna convencional. Hasta preferiría que se convirtiera en una película de corte infantil, donde poder reflejar sin problemas las fantasías del perro junto a su amo en Tombuctú, antes que en un melodrama pretencioso que aplaste los corazones de los espectadores si compasión alguna.

De todas formas, no hay mucha más información sobre el proyecto, así que habrá que ir siguiéndole la pista a esta adaptación para ver si se ajusta a las expectativas que ha levantado entre los seguidores de la obra de Auster.