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Puede que el nombre de Scotty Bowers no sea tan conocido como el de Katherine Hepburn, Cary Grant o Errol Flynn, pero en la época dorada de Hollywood era un personaje célebre, si bien sólo en las más altas esferas del cine estadounidense. Bowers era un ex-marine que trabajaba en una gasolinera, desde donde llevaba un lucrativo negocio que consistía, básicamente, en acostarse con las estrellas o procurarles compañeros o compañeras sexuales.

Ahora que la mayoría de sus clientes y amigos han fallecido, Bowers se ha atrevido a contar su historia en el libro Full Service, que cuenta con el apoyo, nada menos, del legendario Gore Vidal. En un mundo en el que abundaba la homosexualidad y bisexualidad, pero donde se firmaban cláusulas “morales” en los contratos con las grandes productoras cinematográficas, los grandes del cine no tenían más remedio que buscar parejas a través de intermediarios como Bowers, quien asegura que todo empezó cuando Walter Pidgeon, protagonista de Qué verde era mi valle, lo “descubrió” en la gasolinera y le ofreció 20 dólares de aquel entonces para regresar con él a su mansión. Bowers tuvo relaciones con Pidgeon y con el novio de éste, ambos casados, que le rogaron que mantuviera la experiencia en secreto. Así lo hizo, pero Pidgeon se encargó de que sus amigos más influyentes conocieran la existencia de este joven apuesto y discreto. Poco a poco, Bowers recibía más y más visitas, no sólo de actores que buscaban acostarse con él, sino de actrices secretamente lesbianas que buscaban amantes y sabían que Bowers se las podía procurar (el propio Bowers cuenta que acudía para ello a sus amigos ex-marines y a sus novias, pero que nunca aceptó dinero por este tipo de servicio, sólo por prostituirse él mismo) e incluso estrellas heterosexuales que buscaban cierto tipo de persona o simplemente tener una aventura lejos de un matrimonio sin vida, a menudo de conveniencia o impuesto por sus agentes y productoras.

Algunos de los grandes nombres que aparecen en el muy detallado libro de Bowers son Errol Flynn, de quien cuenta que se emborrachaba y se quedaba dormido antes de consumar con las señoritas que el ex-marine le procuraba. Asegura que se acostó con Vivien Leigh y que le conseguía amantes a Rock Hudson, a Tennessee Williams y a Laurence Olivier, entre muchos otros. Pero seguramente su afirmación más escandalosa es la que se refiere a Eduardo VII, el rey británico que abdicó para casarse con la estadounidense Wallis Simpson. Según Bowers, ambos eran homosexuales, y el matrimonio era la tapadera perfecta para poder disfrutar, él con amantes masculinos y ella con amantes femeninas. Al igual que la pareja predilecta de Hollywood, Spencer Tracy y Katherine Hepburn.

Bowers asegura que disfrutaba del dinero, pero que lo mejor era, de hecho, el sexo. No abandonó sus costumbres hasta bien entrados los años 80, cuando el miedo al SIDA recorría el globo. Ya un anciano, recuerda aquellos tiempos con cariño y nostalgia; lo que opinarían sus amigos y clientes de este libro es algo que nunca sabremos.

La época navideña es ideal para el disfrute cinematográfico, o al menos eso piensan muchas de las productoras que reservan grandes estrenos de cine para estas fechas. Como siempre, suele haber una disparidad en cuanto países, pero, dentro de lo que cabe, vamos a hablaros de algunas de las más próximas películas basadas en libros.

War Horse (Caballo de Guerra) es un proyecto basado en la novela juvenil -sí bueno, juvenil pero de un mal rollo impresionante- de Michael Morpurgo y que ya ha logrado un gran éxito en una adaptación teatral. El director no es otro que Steven Spielberg, con lo que ya podemos ir imaginando que tendrá pocas concesiones en cuanto a escenas bélicas. La historia nos cuenta el camino recorrido por un joven soldado y su caballo en la Primera Guerra Mundial. La fecha del estreno en España parece ser la del 13 de enero de 2012.

Sherlock Holmes 2, es la continuación de la trepidante adaptación del personaje creado por Arthur Conan Doyle, protagonizada por Robert Downey Jr. y dirigida por Guy Ritchie. Resultó una verdadera sorpresa, ya que nadie daba dos euros por ella y resultó un film más que digno y que, asombrosamente, no daba más patadas al canon holmesiano que la mayoría de otras adaptaciones anteriores. En esta ocasión repetimos plantel de actores y director, en un enfrentamiento con el más mortal de sus enemigos, el Profesor Moriarty, que apareció brevemente al final de la primera parte. Fecha de estreno en España: 5 de enero de 2012.

El topo (Tinker Tailor Soldier Spy), es la adaptación de una de las más celebradas novelas de John Le Carré, el clásico de los clásicos del espionaje británico. En El topo, que ya ha pasado por varios festivales cosechando éxitos, nos encontraremos a Gary Oldman, Colin Firth y Tom Hardy (entre otros muchos grandes actores, el reparto es fantástico) en una historia por la que no pasan los años. Se estrena el 23 de diciembre, así que esta sí que puede ser la película de las navidades.

Los hombres que no amaban a las mujeres, en su versión americana, ya que la sueca se paseó con moderado éxito el año pasado por las pantallas, está dirigida por el nuevo hombre de moda en Hollywood, David Fincher, que promete una visión personal del gran éxito de Stieg Larsson. De entrada tiene a Daniel Craig como Mikael Blomkvist, así que a todos nos extrañará que no empiece a matar él mismo a todos los malos de la película. Estreno para el 13 de enero de 2012.

Y hasta aquí nuestro repaso. Todavía quedan algunas películas en el tintero, incluso algunas que no llegarán hasta marzo de 2012, como John Carter de Marte, así que ya conocéis la rutina. ¿Qué película estáis esperando? Os esperamos en los comentarios.

The Raven no es la adaptación del mítico poema de Edgar Allan Poe, sino una película en la que le propio autor de Baltimore es el protagonista en una historia que bien podría haber firmado él mismo.

Lo cierto es que el rodaje fue anunciado hace poco más de un año, aprovechando de paso el bicentenario de Poe, y ya llega el anticipo de lo que James McTeigue ha preparado tras dirigir V de Vendetta. Por lo pronto tiene menos movimientos a cámara superlenta, lo que es de agradecer.

Hay que recordar que el año pasado se anunció también la creación de una serie de televisión en la que E.A. Poe actuaría como detective, pero desconozco si el proyecto se abandonó o vendrá tras el estreno de la película. De cualquier modo, este es el primer proyecto importante que llega de todos los presentados durante el centenario. Vamos a echarle un vistazo (está en inglés, aviso).

Por lo que se puede ver en el vídeo, tenemos una historia en la que un asesino se dedica a recrear algunas de las historias de Poe para acabar con sus víctimas, algo que, como es lógico, acaba por convertirle en sospechoso; no en vano Poe era un alcohólico con grandes problemas personales y mala reputación pese a su trabajo como periodista.

¿Qué podemos esperar? Bien, de entrada me encanta John Cusak como Poe, la verdad es que han logrado un gran parecido y, esto ya entra dentro de lo personal, me parece un buen actor. El único resquemor que me queda en el cuerpo es que la historia sea demasiado lineal y más interesada en la acción o en complicados juegos sangrientos (al estilo Saw) que en la presión psicológica (y gore también) que podrían extraer de los relatos de Poe.

En fin, habrá que esperar todavía unos meses para disfrutar de The Raven. ¿Alguien más se animará a ir al cine a verla?

Cumbres borrascosas es uno de esos clásicos de la literatura en los que se sufre. Se sufre como lector, como personaje y hasta creo que el librero sufre de ver el libro todos los días. La historia de Heathcliff y Catherine está impregnada del romanticismo de la época, es decir, el amor sería bonito pero entre tanto dolor poco hay que disfrutar excepto algo de venganza.

Emily Brontë logró una obra inmortal que ha sufrido, cómo no, varias adaptaciones al cine con actores de renombre como Laurence Olivier o Ralph Fiennes, y que ahora ha visto su actualización con una nueva versión presentada hace pocos días en el Festival de Venecia, al parecer con una muy buena acogida, en la que, como nota discordante, se presenta a Heathcliff interpretado por un actor negro.

Andrea Arnold, su directora, logró un gran éxito en 2009 con Fish Tank, película que ganó el Premio del Jurado en Cannes y un BAFTA, unas credenciales que le han servido para crear su particular Cumbres borrascosas, con un lenguaje cinematográfico moderno, alejado del clasicismo que podría demandar la historia, y con ciertos cambios que hacen el resultado final más crudo y realista que la historia imaginada por Brontë. Sin duda uno de los éxitos de la temporada y que es probable que ponga al libro de nuevo en lo más alto de las ventas durante unas semanas.

Otro de los estrenos que ha llegado a las pantallas de cine hace poco es La piel que habito, de Pedro Almodovar, en la que el director da rienda suelta a su habitual mezcla de imágenes, historias personales y fetiches. Lo cierto es que viendo la película nadie lo diría, pero nos encontramos ante la adaptación -más o menos-, de la novela Tarántula, escrita por Thierry Jonquet en 1986.

Lo que mantiene la película de Almodóvar es esa dura venganza que destila el libro de Jonquet, aunque ni el ritmo ni el tono se asemeja al de la novela, y eso que el estilo hiriente y satírico del autor francés se prestaba bastante. Jonquet escribió novela criminal tanto para adultos como juvenil y recibió varios premios a lo largo de su carrera, como el Prix Mystère de la crítica francesa en 1999 por Moloch o la Medalla de honor de la LICRA en 2007.

Cumbres borrascosas y La piel que habito, dos propuestas muy diferentes tanto en historia, tono, dirección y lenguaje pero que comparten un mismo origen: el literario. Esperemos que no defrauden a los grandes seguidores de sus novelas madre y que agraden a aquellos que se acerquen más tarde al libro, intrigados por la película.

La película más importante del cine español en 2010 fue, para muchos, Pa Negre. Pa Negre, que se convirtió por méritos propios en el primer trabajo rodado en catalán en hacerse con el premio máximo de los Goya (aparte de llevarse ocho “cabezones” más), adapta a la pantalla una novela de Emili Teixidor. Como gran parte del cine español de los últimos treinta años está ambientada en la posguerra, y fue dirigida por Agustí Villaronga, que se reivindicó como creador tras trabajos de cuestionable calidad como 99.9 La frecuencia del terror (1997) o El pasajero clandestino (1995). Villaronga, que había iniciado su carrera cinematográfica con la controvertida Tras el cristal (1987), ya había hecho otra adaptación de una novela en lengua catalana en 2000 con El mar, basada en una obra del mallorquín Blai Bonet, que había fallecido un par de años antes.

Otra adaptación, esta vez de 2003, fue La flaqueza del bolchevique, película de 2003 dirigida por Manuel Martín Cuenca, y basada en una novela de Lorenzo Silva. Es una película interesante, aunque de notables carencias, que se sustenta sobre todo en las interpretaciones de sus dos protagonistas, Luis Tosar (ya mencionado en la tercera parte de esta serie de artículos) y una deslumbrante María Valverde. La actriz, que debutaba en el cine a la edad de dieciséis años, se convirtió en una de las promesas del cine español, aunque su carrera posterior ha defraudado en general. Si ya nos exasperó a todos por participar en la infame cinta italiana Melissa P. (basada en el libro autobiográfico Los cien golpes, de Melissa Panarello), últimamente su carrera ya va hacia abajo y sin frenos. Protagonista absoluta de 3 metros sobre el cielo, dentro de poco verá estrenada su secuela, Tengo ganas de ti, además de otra película en la que volverá a compartir protagonismo con Mario Casas. La supuesta química con Casas hizo que se les eligiera a ambos para encabezar el reparto de la próxima película de Michael Radford, La mula, una adaptación de una novela de Juan Eslava Galán. Llena de tristeza que Radford haya acabado recurriendo a estos trucos baratos de mercadotecnia: estamos hablando, no lo olvidemos, del cineasta detrás de la adaptación de 1984 de George Orwell (película, cómo no, de 1984), y sobre todo el artífice de esa pequeña gran maravilla que fue El cartero (y Pablo Neruda), película de 1994 basada en la obra de Antonio Skármeta. Radford ya demostró con la adaptación de la shakesperiana El mercader de Venecia (2004) que ya no daba más de sí (como hicieron en esa misma película Jeremy Irons y Al Pacino), pero nunca pensé que lo vería dirigiendo una cinta cuyo protagonista fuera Mario Casas.

Otro director de cine que se hizo popular por una adaptación literaria fue Miguel Albaladejo, más concretamente al llevar a la pantalla grande al personaje de Elvira Lindo Manolito Gafotas en 1999. La relación entre Albaladejo y Lindo ha sido fecunda, y no empezó con Manolito Gafotas, por cierto: han colaborado en las películas La primera noche de mi vida (1998), Ataque verbal (2000), y El cielo abierto (2001). La escritora gaditana no tuvo nada que ver, eso sí, ni en Cachorro (2004), una de las películas que más valientemente han hablado de la homosexualidad (y más que recomendable) ni, afortunadamente, en el descenso a los infiernos de Albaladejo en 2010 cuando participó en la insufrible adaptación española de la serie estadounidense Las chicas de oro, hito en su carrera que suponemos querrá olvidar cuanto antes.

Las mejores adaptaciones al cine de novelas de autor español no siempre se basan en clásicos, o son películas de la época dorada de nuestra cinematografía. También hay casos recientes. En 2009, por ejemplo, se estrenó una película que, contra todo pronóstico, recaudó millones de euros y fue aclamada tanto por crítica como por público, algo más que inusual en un país en el que las obras más taquilleras suelen ser infamias del tipo 3 metros sobre el suelo (remake de una película homónima italiana basada en una novela de Federico Moccia, por cierto), Mentiras y gordas o la saga del inefable Torrente. Estamos hablando de Celda 211, película dirigida por Daniel Monzón y protagonizada magistralmente por Luis Tosar, posiblemente el mejor actor español de la actualidad, con permiso de Javier Bardem. Los dramas carcelarios son un género en sí mismo en cine y literatura, aunque en España no hemos recurrido a ellos con tanta profusión como en Estados Unidos. Celda 211, basada en una novela de Francisco Pérez Gandul, fue la película del año, arrasando en los premios Goya (8 premios, 16 nominaciones), teniendo cierta repercusión fuera de nuestras fronteras, y encumbrando ya definitivamente a Tosar como una auténtica estrella de nuestro cine. Y todo ello pese a la participación de Antonio Resines en la cinta, lo que es meritorio.

Otra sorpresa de la taquilla, esta vez de 2005, fue la a veces fallida El método, de Marcelo Piñeyro. Piñeyro, argentino de nacimiento pero que también posee la nacionalidad española, adaptó al cine una obra de teatro (El Método Grönholm) del barcelonés Jordi Galceran i Ferrer, que a su vez ha sido también guionista del cineasta Jaume Balagueró. La adaptación no es ni mucho menos fiel, y no parece que Galceran diera su total bendición al resultado final. Sin embargo, El método fue una película notable que seguramente brilló más de lo necesario pese a que 2005 no fue precisamente un mal año para el cine español (se estrenaron, entre otras, algunas buenas películas como 7 Vírgenes, La vida secreta de las palabras, Princesas, Habana Blues o Quince días contigo). También de ese año es otra adaptación, en este caso de una novela del escritor guipuzcoano Bernardo Atxaga. Se trata de Obaba, de Montxo Armendáriz. La película, tal vez demasiado compleja para los gustos habituales del público español, fue acogida con entusiasmo por parte de la crítica, y se trata en cualquier caso de una buena adaptación de uno de los escritores más representativos de nuestras letras en la actualidad.

Da la casualidad de que la película que hizo que Armendáriz cobrara popularidad entre el gran público, y eso pese a no ser un autor novel y contar ya con grandes películas a sus espaldas como Tasio (1984) o 27 horas (1986), fue también una adaptación. Historias del Kronen, basada en una novela de José Ángel Mañas, se estrenó en 1995 y se convirtió rápidamente en una de las películas más controvertidas del cine español de fin de siglo. Supuestamente transgresora y fiel espejo de la juventud española de su tiempo, contaba con una banda sonora interesante (con muchos de los mejores grupos del panorama independiente de aquella época) y poco más. Sin embargo, la polémica siempre vende, y fue una cinta que hizo buenos números en taquilla, que convirtió a Armendáriz en un director a tener en cuenta (como si lo hubiera necesitado) y que transformó en estrella a Juan Diego Botto, protagonista total de la obra.

Este mismo año se levantó una gran polémica alrededor de Mirkwood, libro obra del escritor americano Steve Hillard, cuyo protagonista no era otro que J.R.R. Tolkien, autor de El señor de los anillos o El Hobbit, ya que la representación legal de sus herederos no estaba dispuesta a dejar que la figura de Tolkien fuese utilizada bajo ninguna circunstancia.

Tras llegar a solicitar incluso la destrucción de los libros publicados por Hillard, basándose en la protección del nombre y el honor, se llegó a un acuerdo por el cual la novela podía publicarse mientras se especificara claramente en el libro que se trataba de una obra de ficción.

Pese al revuelo montado, la figura de Tolkien no era menoscabada en la obra de Hillard, aunque sí es un personaje principal y la historia se basa en parte de su correspondencia. En Mirkwood, Tolkien ayuda a una joven a encontrar a su abuelo desaparecido, el cual había conocido al escritor. A partir de ese momento el libro se adentra en el filo de la realidad y la ficción, dando lugar a un libro de género fantástico. Es posible que la polémica haya dado más publicidad al libro que otra cosa, y además ahora el proyecto parece que va a ser llevado al cine aprovechando la cercanía del estreno de El Hobbit.

Por lo visto, además de seguir el esquema del libro, Mirkwood hablará también de otros aspectos menos conocidos de la vida de Tolkien, como su intención de trabajar como «rompecódigos» durante la II Guerra Mundial. ¿Tendrá éxito? El libro apenas ha llegado al millar de copias, así que tampoco esperemos gran cosa si no se aplica un presupuesto decente. Eso sí, se desconoce la posición del Trust de Tolkien sobre esta posibilidad, así que quizás, demanda de por medio, esta película jamás vea la luz.

Después de hablar de Berlanga y Azcona, de Fernán Gómez y Bardem, y por supuesto de Buñuel, debemos hablar de otros grandes cineastas españoles y de las adaptaciones que hicieron de obras literarias. Y es casi imposible no empezar por Los santos inocentes (1984), una obra maestra del cine mundial dirigida por Mario Camus a partir de la novela homónima de Miguel Delibes. No es gratuito denominarla obra maestra: es sin duda una de las cumbres del cine español de todos los tiempos, y les valió tanto a Paco Rabal como a Alfredo Landa, los dos protagonistas principales, multitud de elogios y premios, entre ellos el premio a Mejor Interpretación Masculina, compartido, en el Festival de Cannes. El retrato que Delibes hizo del campo extremeño durante la década de los 60 es trasplantado a la pantalla de forma brutal en una obra prácticamente perfecta que es de obligada visión para cualquier aficionado al cine. No es, además, la única adaptación que Camus ha dirigido: entre otras suyas son La ciudad de los prodigios (1999), basada en una obra de Eduardo Mendoza), Con el viento solano (1966) y Los pájaros de Baden-Baden (1975), de Ignacio Aldecoa o La leyenda del alcalde de Zalamea (1973), de Calderón de la Barca. Aunque, sobre todo, hay que reseñar otras tres adaptaciones de obras más que importantes de la literatura española: La colmena (1982), basada en la inmortal novela de Camilo José Cela, La casa de Bernarda Alba (1987), que convierte en cine la obra teatral de Federico García Lorca, y, esta vez para televisión, Fortunata y Jacinta (1980), basada en la obra de Galdós.

Otra importante película de nuestro cine, El sur (1983), de Víctor Erice, se basó en un relato de la pacense Adelaida García Morales. Víctor Erice es un cineasta atípico: sólo ha firmado cuatro largometrajes, el último de ellos en 1992, dedicándose desde entonces a los cortometrajes y, sorprendentemente, a los denostados mediometrajes. Su último trabajo es un corto que aparecerá en una película colectiva a beneficio de los damnificados por el terremoto y posterior tsunami que asoló el noreste japonés hace unos meses. Pero, pese a su cortísima filmografía (cuatro largometrajes en cuarenta años de profesión), sigue siendo considerado como uno de nuestros más importantes directores.

Una película imprescindible para comprender el cine español es Surcos (1951), dirigida por José Antonio Nieves Conde, un interesante (y olvidado) director español de la posguerra, cercano a las posiciones falangistas, que aportó un toque diferencial al cine de los años cuarenta. En una época en la que primaba el cine propagandista, el moralista o el folclórico (los tres únicos géneros que contaban con el beneplácito del régimen franquista y que pasaban fácilmente los filtros de la censura), Nieves Conde firmó unas cuantas películas de cine negro hoy casi inencontrables. En Surcos, su obra maestra, contó con la ayuda en el guión de uno de los falangistas (por conveniencia, hay que añadir) más famosos, el escritor Gonzalo Torrente Ballester, todo a partir de una idea original del también falangista (aparte de escritor) Eugenio Montes. El que Montes, que había sido uno de los fundadores de la Falange, y Torrente Ballester estuvieran involucrados en la película ayudó, sin duda alguna, a que ésta, pese a ser calificada por los censores como “de contenido social muy duro”, pudiera llevarse a cabo y estrenarse. Con un coste total cercano a las ochocientas mil pesetas, la película supone el inicio en España del cine de crítica social que Berlanga y Azcona perfeccionaron.

No debería sorprendernos el hecho de que algunas de las películas más importantes de la historia del cine español sean adaptaciones, precisamente, de algunas de las novelas más importantes de nuestra literatura. No todas, por supuesto: de existir un “top” del cine español y no cientos (o miles, ya que cada aficionado al cine tiene uno en la cabeza), nos encontraríamos con gran cantidad de guiones originales entre los puestos más altos. Sería impensable que no estuvieran en los primeros puestos de esa lista cintas como El verdugo, Plácido, Bienvenido, Mister Marshall, El extraño viaje o El cochecito, todos ellos guiones originales de Berlanga, Azcona y compañía. Dejando a un lado al ínclito Luis Buñuel, lo mejor de nuestro cine fue firmado por ellos, por Juan Antonio Bardem y por Fernando Fernán Gómez.

Pero Azcona y Berlanga trabajaron sobre todo con guiones originales. Incluso Buñuel, el más particular de nuestros creadores cinematográficos (y seguramente el menos español de todos), recurrió en ocasiones a guiones adaptados. Una de sus grandes obras, Tristana (1970), se basa en una novela de Benito Pérez Galdós de 1892. No es la única adaptación en su carrera: Ese oscuro objeto del deseo (1977) bebe de la obra de Pierre Louys, Leonor (1975) de la de Ludwig Tieck, Diario de una camarera (1964) de la de Octave Mirbeau y El río de la muerte (1955) de la del mexicano Miguel Álvarez Acosta. Desafecto de España y lo español durante la convulsa posguerra, el que una de sus últimas obras maestras estuviera, por fin, basada en un autor patrio no parece ser casualidad aunque, de todas formas, Buñuel prefirió durante la mejor época de su carrera utilizar sus propios guiones, escritos en solitario o con colaboradores como Jean-Claude Carrière o Luis Alcoriza.

Al igual que el tándem dirección-guión formado por Luis García Berlanga y Rafael Azcona, Juan Antonio Bardem, otro de nuestros más importantes directores, tampoco recurrió con frecuencia a nuestra literatura para elaborar sus obras. La que es quizás la más importante obra de Bardem junto con Muerte de un ciclista (1955), fue la excepción que confirma la regla: estamos hablando de Calle Mayor (1956), que se basaba en la obra de Arniches La señorita de Trevelez. Calle Mayor fue una de las primeras películas españolas que triunfó fuera de nuestras fronteras en festivales de importancia: si Bienvenido Mister Marshall (1953) había tenido gran acogida años atrás en Cannes, la película de Bardem triunfó en otro festival, el de Venecia, en donde recibió el premio de la Crítica y debió llevarse el León de Oro al ser la película más votada (el premio quedó finalmente desierto). La irregular carrera de Bardem, que acabó realizando telefilmes para televisión, no tiene más que dos o tres guiones adaptados más, entre ellos uno basado en la obra de Julio Verne (La isla misteriosa y el Capitán Nemo, 1973).

Fernando Fernán Gómez, en cambio, sí que fue un director que recurrió de forma habitual a novelas más o menos conocidas a lo largo de su fecunda carrera cinematográfica. Entre sus adaptaciones hay que reseñar El malvado Carabel (1956), basada en una obra de Wenceslao Fernández Flórez; Sólo para hombres (1960) y Ninette y un señor de Murcia (1965), ambas de Miguel Mihura; La venganza de Don Mendo (1961), de Pedro Muñoz Seca; El mundo sigue (1963), de Juan Antonio Zunzunegui; Los palomos (1964) y Cómo casarse en siete días (1971), de Alfonso Paso; Mayores con reparos (1966), de Juan José Alonso Millán. Fernán Gómez, que protagonizó la mayor parte de las películas que dirigió, muchas de las cuales con guiones originales o adaptados suyos, llevó esta omnipresencia creadora hasta el extremo en 1989 con El mar y el tiempo, película que contaba con su dirección y guión adaptado, que por supuesto protagonizó… y que para más inri se basaba en una novela propia.

El 15 de julio, fecha fetiche para todos los seguidores de Harry Potter ya que ha sido la tradicional para la publicación de los libros y el estreno de las películas, llegará el fin de una de las más fructíferas y famosas asociaciones de la historia del cine y la literatura.

La adaptación de los libros de Harry Potter se enfrentó desde un principio al reto de encontrar a los actores protagonistas, unos niños que iban a pasar su adolescencia al ritmo de una película por año y a los que, en caso de cualquier problema, iban a ser casi imposibles de sustituir. No es fácil acertar cómo crece una persona, ya que elegir un actor para un momento concreto es mucho más sencillo que adivinar si encajará en su papel cinco o seis años después. ¿Alguien pensaba que Draco Malfoy iba a pegar ese estirón?

Ese aspecto quedó bien resuelto. También, a mi juicio, el sucesivo cambio de director y de estilo a medida que la historia pasaba de un público más infantil a uno adolescente. Del costumbrismo, quizá un poco lento, de Chris Columbus a la agilidad de Cuarón o al tecnicismo de Yates, el equipo tras las cámaras ha sabido captar el espíritu de los libros, bajo la atenta mirada supervisora de J. K. Rowling, y traspasar a la gran pantalla la legión de seguidores.

La decisión de dividir en dos el último libro para el cine me pareció, de entrada, un movimiento destinado a ganar más dinero, pero tras ver la primera de las entregas tuve que reconocer que la duración del metraje era más que adecuado. De hecho, me parece más entretenida esa parte en el cine que el libro, que, en mi opinión, es el peor de toda la serie.

Tras diez años llega el final de Harry Potter en el cine, una máquina de hacer dinero que acompaña el lanzamiento mundial de Pottermore, la continuación natural en el nuevo medio de masas por excelencia, Internet. Mi única duda es, ¿habrán filmado el epílogo del último libro…? Espero que no.