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En la primera parte del artículo hablamos de la trayectoria del escritor británico Clive Barker en el entorno del terror, y del éxito obtenido en su larga relación con otros medios como el cine o el videojuego (además de géneros que no llegamos a mencionar: cómic, ilustración y teatro). Pero es en la fantasía urbana, y en la fantasía oscura en general, donde Barker se ha hecho un nombre muy especial en el mundo de la literatura. Si bien no es el único que ha sabido lucirse en estos terrenos (ahí tenemos a Gaiman, por ejemplo), es indiscutible que su imaginería tiene una potencia de la que disfrutan muy pocos autores. La creatividad de Barker (tenebrosa, extraña, enfermiza), parece no tener límites cuando se trata de crear mundos complejos y personajes surrealistas.

El primer gran mundo fantástico de Barker fue el de aquella alfombra mágica en Sortilegio. Ahí ya calentaba motores para uno de sus libros (y cosmos) más ambiciones: El gran espectáculo secreto, la primera parte de una serie de libros planeada por Barker de la que solo se han publicado dos: el título ya mencionado y Everville (que, si no me equivoco, no se ha publicado en español). Comienzan a verse los patrones narrativos y los elementos favoritos del escritor: mundos que se solapan, que se entrecruzan, que coexisten con el nuestro, llenos de seres y escenarios psicodélicos, de personajes malos que tienen sus razones para ser malos (o que ni siquiera son malos, sino que disponen de una moral muy diferente a la que conocemos), de personajes buenos que no son tan buenos, pero que son, hasta cierto punto, inocentes o bienintencionados. Los personajes se transforman: los malos se nos revelan como nobles, los buenos se pervierten. Los seres humanos no son más que víctimas y peones de otras criaturas, de grandes designios del destino y de los mismos mundos extraordinarios creados por Barker. Siguió desarrollando este modus operandi en Imajica, en Galilee (donde además se atreve con las grandes sagas familiares, al más puro estilo Dinastía cruzado con el poder de las leyendas, las antiguas divinidades y los siempre presentes amor y sexo) y con la saga juvenil Abarat que, aunque esté dirigida hacia un público menos adulto, retiene el poder de sus obras anteriores para horrorizar y a la vez para enamorar.

El tono onírico de sus obras de fantasía no es casual: en el caso de Imajica, Barker asegura que su inspiración surgió de sus propios sueños. El autor ha afirmado que es su escrito favorito, y que lo compuso en un tiempo récord. Escribió la obra completa en catorce meses (escribía de catorce a dieciséis horas al día, siete días a la semana). Es, tal vez, el máximo exponente de su desbordante imaginación y creatividad, pero al ritmo que continúa publicando no parece que vaya a detenerse durante un tiempo: para los próximos años ya están programados los volúmenes restantes de Abarat, una segunda parte para Galilee y varias continuaciones para Cabal: Razas de noche. Y que sean muchos más, Sr. Barker.

A todos nos gusta pasar miedo. Es una de esas afirmaciones que se hace así, sin pensar, y que por lo visto hasta tiene explicación científica. Tras ver una película de terror tenemos un subidón de adrenalina que puede llegar a resultar adictiva. Y lo mismo con los libros, con el valor añadido de que no tenemos que ver al monstruo en pantalla, sino que podemos imaginarlo y decorarlo conforme a nuestros temores más profundos.

El terror siempre ha sido un género que, en los niveles más altos de ventas, ha resultado de lo más rentable. El ejemplo más evidente es Stephen King, que además se ha convertido en un producto mediático: el autor que ha sabido escribir no solo para los lectores, sino para los espectadores. King disfruta de un elenco de criaturas legendarias: desde el payaso de It hasta la fan mutiladora (asociada para siempre a la interpretación de Kathy Bates) de Misery. Hay pocos que se acercan a su estatus de productor de iconos; tal vez Clive Barker, con el Pinhead de Hellraiser, sea el más próximo.

Sin embargo, Barker y King no tienen mucho en común. La imaginería y el gore del británico tienen poco que ver con el estadounidense. King es, ante todo, un narrador, es un artista de ideas y personajes, donde el contenido juega un papel principal, donde la insinuación afecta mucho más que la visión directa de lo sobrenatural. Barker, por otro lado, nos lo enseña todo sin inmutarse, no solo al monstruo, sino todo lo asociado a las emociones más viscerales: el asco, el miedo, la lujuria. Con Barker, la asociación entre el eros y el tánatos es mucho más clara; el dolor y lo sexual van cogidos de la mano.

Es interesante que el personaje más conocido de Barker, protagonista de toda una saga cinematográfica, provenga de una novela corta (The Hellbound Heart), muy en la línea de los relatos del escritor, recopilados en los ya legendarios Libros de sangre. Es un relato, como la mayoría de sus relatos, de terror, de nueva carne (donde lo tecnológico, lo inorgánico y lo biológico se unen de manera fascinante), donde, debajo de todo, uno se encuentra con preguntas inevitables acerca de la ambición humana, el vínculo entre el placer y el dolor y los límites de la ética. Barker ha sabido desarrollar esta novela breve y convertirla en un mundo propio, repleto de atrocidades a la altura de las exigencias de un público deseoso de sangre, vísceras, garfios y erotismo desenfrenado, perfecto para la gran pantalla. En este sentido, hay dos Barkers similares, pero a la vez diferentes: el Barker de Hellraiser, de Razas de noche, de Los libros de sangre y el Barker, igualmente oscuro pero más sutil, menos gráfico, que esconde sus intereses más violentos bajo capas y capas de magia y escenarios imposibles. En definitiva, el Barker del terror (el relacionado con sus series de películas, videojuegos como Jericho o Undying, relatos sangrientos, vampiros y asesinos en serie) y el Barker creador de mundos (el escritor de Sortilegio, del Gran espectáculo secreto, de Imajica o la serie juvenil Abarat). De este último hablaremos en la segunda parte de este artículo.

Cada vez son más las series basadas en libros o bien que toman su punto de partida del mundo literario. Un ejemplo de este grupo de series de televisión sería The Following, serie producida por Oterbaks y Warner Bros y que emite la cadena Fox.

The Following está creada por Kevin Williamson, guionista dedicado habitualmente a las películas de terror para adolescentes y que dejó su marca en Scream, Sé lo que hicisteis el último verano o The Faculty, sin dejar de lado la televisión, con series como Dawson crece o The Vampire Diaries (basados en la obra de L.J. Smith).

Pues bien, The Following está relacionada con la literatura de una manera directa: el malvado Joe Carroll es un profesor de literatura y escritor obsesionado con la obra de Edgar Allan Poe, hasta tal punto que, tras un revés de la crítica con su primer libro, decide dar rienda suelta a su fascinación mórbida matando a varias de sus estudiantes. La idea de Carroll (interpretado por James Purefoy) es que la concepción y ejecución del asesinato es una forma de arte. Tras ser encerrado, Carroll recluta a un grupo de seguidores que comparten la misma visión del mundo que él… pronto el agente que lo capturó, y retirado del FBI, Ryan Hardy (papel ejecutado por Kevin Bacon) tendrá que volver para enfrentarse a él.

El desarrollo de la serie se inspira en la obra de Poe, aunque con referencias menos conocidas de lo habitual -nada de pozos y péndulos, por ejemplo-, conexiones nacidas más del análisis literario de Carroll que de las imágenes creadas por el escritor de Baltimore. De ese modo se le da importancia a los ojos de las víctimas por cómo se les trata en relatos como El gato negro.

Además, la idea de la serie se plantea como un juego narrativo en el que la realidad forma parte de una novela que Carroll ha planificado y que va escribiendo a medida que la acción se desarrolla; todos son personajes que bailan dentro del esquema que el autor ha planeado, lo que produce, en ocasiones, situaciones sin demasiado sentido que sólo más adelante cobran significado.

Así pues, The Following no sólo es una serie que toma elementos literarios clásicos, como las obras de Poe, para su desarrollo, sino que introduce un juego metaliterario en el que se integran las reglas de la novela, con su desarrollo, sus momentos de tensión y sus héroes y villanos.

Como veíamos en la entrega anterior, elaborar un canon de la literatura fantástica española es una tarea condenada al fracaso, entre otras cosas porque muchas de las obras que lo integrarían están descatalogadas, e incluso inencontrables en los mercadillos y librerías de segunda mano, reales o virtuales. Es una verdadera lástima, porque las nuevas generaciones de lectores se están perdiendo una buena cantidad de obras que no solo les sorprenderían sino que también podrían influir en su manera de valorar el género e, incluso (y aquí tiro con bala, y que me entienda quien quiera), de escribirlo.

Ya hemos hablado de una obra de Alfonso Sastre, un dramaturgo adscrito a la corriente realista y con buena reputación en el stablishment, y de otra de Gabriel Bermúdez, un gran autor cuyos dos grandes pecados han consistido en publicar en colecciones especializadas y en adelantarse un par de décadas al resto de la ciencia ficción española.

Las joyas de la serpiente fue la primera novela publicada de Pilar Pedraza, una autora que no necesita presentación. Quería hablar de la que considero su mejor obra, La fase del rubí, pero mientras me documentaba para este artículo descubrí que Valdemar la reeditó hace tres años. Lo lógico sería que la editorial madrileña hiciera otro tanto con Las joyas de la serpiente, cuya primera publicación data de 1984, y que nos muestra una trama de dobles, ambigüedad sexual, pasiones ocultas, mucho morbo, pulsiones reptilianas, vampirismo, tradiciones orales y ambientación histórica (un siglo xvii que parece sacado de una película del Visconti, el Fellini o el Pasolini más desatados). El periplo amoroso y sexual de Bartolomé por una ciudad castellana indefinible y onírica (¿Toledo? ¿Salamanca?) lo enfrenta a sus fantasmas interiores, y produce escenas cuya insania es de tal calibre que solo se ha podido leer en otras obras de la autora. Pedraza nos ofrece un vanitas al estilo de la pintura de la época (Juan de Valdés Leal, por ejemplo) y prefigura un estilo personal y arrebatador que nos ha deleitado durante treinta años, y la ha confirmado como uno de los puntos de referencia del terror español, tanto en el campo narrativo como en el ensayístico. Y todo, absolutamente todo eso, comenzó con esta Las joyas de la serpiente, hoy descatalogada y, sin duda, al nivel de La fase del rubí o Paisaje con reptiles.

Por último, un título que seguramente esté condenado a permanecer descatalogado de manera indefinida, ya que su autor falleció en 2011 y, hasta donde se sabe, no ha dejado herederos: El enfrentamiento, de Juan Carlos Planells. Publicada en 1996 por Miraguano, fue escrita al menos quince años antes, ya que el autor la mencionaba en un ensayo sobre Philip K. Dick que apareció en el número 145 de la mítica revista Nueva Dimensión, en 1982. El propio autor era consciente de las similitudes con una de las obras cumbre de Dick, El hombre en el castillo, aunque cambiando ligeramente el escenario. El enfrentamiento nos ofrece varias tramas de universos paralelos cuyas acciones transcurren siempre en Barcelona, ya sea la ciudad ocupada por unos nazis que ganaron la segunda guerra mundial, ya sea la que padece los designios de un dictador llamado Ronald Reagan que prohíbe escribir ficción (y aquí tenemos ecos de otra novela de Dick, Radio Libre Albemuth, y de la paranoia del autor estadounidense con el presidente Nixon), ya sea la de hoy en día. Planells remata una más que estimable novela de universos paralelos con un verdadero ensayo novelado sobre la evolución de la cultura popular en la Barcelona del franquismo. En 1997 apareció lo que hoy llamaríamos un spin-off, el relato Una oveja negra y varios lobos, ambientado en el mismo marco referencial.

Por el momento lo dejo aquí, pero seguro que habrá más joyas descatalogadas de las que hablar.

Uno de los inconvenientes con los que se enfrenta el aficionado a la literatura fantástica española de calidad es la falta de reediciones. Resulta imposible hacerse una idea cabal de las dimensiones exactas del género si la mitad de las obras digamos canónicas (no, no voy a embarcarme en la escritura de ningún canon de la literatura fantástica española) están descatalogadas o inencontrables. Si el problema son los costos de reeditar en papel unas obras que tal vez solo les interesen unos cuantos centenares de bibliófilos y completistas, el libro electrónico podría suplir algunas de estas carencias que, en algunos casos flagrantes, me atrevo a calificar de intolerables y propias de un país de paletos sin la menor conciencia de los tesoros literarios que ha producido. Si se debe al mero descuido o despiste, sin duda este artículo le alegrará la vida a más de un editor diligente.

El caso es que, si me obligaran a enumerar mis obras favoritas de la literatura fantástica española (incluyo fantasía, ciencia ficción y terror), aparecerían cuatro títulos (correspondientes a otras tantas décadas) que en estos momentos están descatalogados o, al menos, no constan como reeditados de diez años para acá ni en la página web de la Biblioteca Nacional de España ni en la de la Agencia Española del ISBN. ¿Me lee algún editor dispuesto a reparar este despropósito?

Comienzo con Las noches lúgubres, de Alfonso Sastre. Publicada en 1964 (en una edición incompleta, todo hay que decirlo), justo cuando los Veinticinco Años de Paz y el auge de la corriente realista, este libro nadó contracorriente de todo lo que se estaba haciendo en aquel momento. Su estilo, a veces gongorino y muy por encima de lo que ofrecía la literatura fantástica española por aquella época, nos lleva a los barrios de casas bajas que estaban a punto de ser derribados por el boom inmobiliario de los años sesenta. En uno de estos barrios, el de las Ventas del Espíritu Santo (donde, en la actualidad, la M-30 transita al pie de las moles de la avenida Donostiarra, genialmente retratadas por Pedro Almodóvar en ¿Qué he hecho yo para merecer esto?), se cruzan las vidas de Zarco, Amalia y el vampiro húngaro Arpad Vászary. Esta obra, una de las piedras angulares del terror español, no se reedita desde 1998 (cuando lo hizo la editorial navarra Hiru).

En 1978 apareció El Señor de la Rueda, la novela más redonda del máximo exponente de la ciencia ficción española en su vertiente cañí, Gabriel Bermúdez Castillo. Popularizada entre los frikis de mi quinta por la Biblioteca Orbis de Ciencia Ficción, El Señor de la Rueda era un space opera entrañable, narrado en clave de novela de caballerías, por sir Pertinax le Percutens, un trasunto del rey Arturo en un planeta en el que, por motivos que se nos explican más adelante, la sociedad es una curiosa mezcla de Camelot y las películas de Mad Max. La valía de un caballero se mide por la cantidad de aditamentos que pueda añadirle a su medio de transporte (llamado «patito» en su estadio más elemental, y «castillocar» cuando adquiere sus máximas dimensiones), del que no puede bajarse bajo ninguna circunstancia, ni siquiera para hacer la compra en los llamados asteroides omnia res. Suena tan pop y camp que casi parece inocente, pero la mala leche de Bermúdez la convierte en una novela deliciosa, pícara, sexual y, sobre todo, muy divertida, tal vez una de las tres o cuatro mejores de toda la historia de la ciencia ficción española. Padeció una edición pirata en 2003, que de hecho tuvo que ser retirada del mercado tras una denuncia del autor (eso es lo que pasa cuando intentas tangar a alguien que trabaja de notario), por lo que no la incluyo en el cómputo: a todos los efectos, permanece inédita desde 1987. Y eso es una tragedia para quienes se han aficionado a la ciencia ficción española a raíz del auge de los años noventa.

De un lustro a esta parte, parece que el género de terror les ha ganado la partida a sus hermanitas venidas a menos, la fantasía y la ciencia ficción, por una serie de motivos que sería muy interesante discutir pero que me dejarían sin espacio para esta entrada. (No obstante, si ustedes gustan, pueden hablar de ello en los comentarios.) La proliferación de zombis y vampiros ha barrido de los escaparates a los jóvenes magos y las fieles espadas triunfadoras, aunque la proliferación de distopías con adolescentes implicados en variantes más o menos (generalmente, menos) originales de Los Juegos del Hambre hace prever un repunte de la ciencia ficción. Por todo ello podría parecer que ya se ha editado y se ha reeditado todito el material relacionado con los tópicos al uso de la literatura de terror.

Nada más lejos de la realidad. La sobresaturación de la oferta ha hecho que nos olvidemos de algunas novelas más que respetables que no se han reeditado ni aun a la estela de los crepúsculos y muertos andantes de rigor. Pongo solo cuatro ejemplos.

Por solera y antigüedad, lo justo sería comenzar con Más oscuro de lo que pensáis, de Jack Williamson, uno de los clasicazos de la Edad de Oro de la ciencia ficción (apareció nada menos que en 1940). Esta novela nos habla de los hombres lobo desde un punto de vista entre místico y mistérico, bastante alejado de la testosterona al uso con que se ha popularizado últimamente tan popular y peluda figura (pero ¡por favor!, si parece que todos son una banda de moteros traficantes de MDMA). ¿Que se ha quedado un poquito anticuada? Pues claro que sí, a quién vamos a engañar, pero que lleva sin reeditarse desde 1990 y ya va tocando que algún editor diligente la rescate, pues también.

Otra obra que no se reedita desde 1990, aunque ha visto alguna que otra reimpresión, es Frankenstein desencadenado, de Brian W. Aldiss (1973), que sirvió de base para una película de Roger Corman que era una auténtica ida de olla. Aldiss se apuntó una de sus novelas más extrañas (que ya es decir), un jalón más de su revisión de clichés del género fantástico británico victoriano (que lo llevaron a escribir monumentos como La otra isla del doctor Moreau o El árbol de saliva). En esta novela le mete mano a la relación entre Mary Shelley y su monstruo, con idas y venidas espaciotemporales y, en resumen, un escenario completamente alejado de la estética decimonónica que se le suele adjudicar al moderno Prometeo.

Puede que Un poco de tu sangre (1961) no sea la mejor novela de Theodore Sturgeon, el genial autor de dos de las novelas clave de la ciencia ficción, Los cristales soñadores y Más que humano, y probablemente uno de los mejores cuentistas que ha dado el siglo xx, sin distinción de género literario ni nacionalidad. No obstante, se trata de una novela sorprendente, elaborada en forma de sesiones entre un militar retirado del servicio y su psiquiatra. ¿Les suena a Entrevista con el vampiro? Pues sí, pero no. Para empezar, se adelanta en quince años a Anne Rice. Para seguir, la ambientación es contemporánea y en clave manifiestamente realista. Y, para terminar, la conclusión es de las que le revuelven las tripas incluso al lector menos timorato (no conviene leerla durante esos días). Todavía no se ha editado en español como novela independiente (apareció de tapadillo en una recopilación de relatos apadrinados por Alfred Hitchcock), y de verdad que merece la pena.

Dejo para el final la temática estrella del género de terror en los últimos años: los zombis. Para ello, nada mejor que hablar de Ojos verdes, de Lucius Shepard (1986), que editó la fenecida Júcar allá por 1989, con bastante éxito de crítica. Shepard venía a hacer con la temática zombi lo mismo que había hecho Richard Matheson con la vampírica en Soy leyenda: darle una explicación científica. A semejanza de Un poco de tu sangre, también ahonda en las sesiones clínicas entre sujeto experimental (Donnell) y terapeuta (Jocundra), aunque con una estética próxima a lo que ahora llamaríamos thriller científico. Dada la sobrexplotación que ha sufrido la temática zombi, no se entiende que no la haya reeditado algún editor con dos dedos de frente. Venga ya, pero si le da cien vueltas al ochenta por ciento de lo que se está publicando ahora mismo…

Con La fortaleza, Alamut nos trae uno de los títulos clásicos del terror fantástico americano de los años 80, escrita por el prolífico, y poco conocido en castellano, F. Paul Wilson, autor de más de cuarenta novelas de género.

La fortaleza fue el primer libro de terror de Wilson, antes se había dedicado más a la ciencia ficción, y en el que mezcla una historia bélica al más puro estilo Ludlum con elementos del horror desconocido, como Lovecraft, y la figura del héroe solitario que parece, con toda seguridad, heredada de la obra de Robert E. Howard.

En La fortaleza encontramos un destacamento alemán cuya posición en un viejo, y misterioso, castillo de los Alpes Rumanos se vuelve insostenible a medida que alguien -o algo- va acabando con sus integrantes uno por uno. La intervención de un oficial de las SS conseguirá que la situación no mejore en absoluto mientras que al otro lado del Mediterráneo, un hombre misterioso inicia su viaje hacia la fortaleza ocupada.

La novela es un claro ejemplo del horror fantástico de su época, que ayudó a configurar, y su estilo está lleno de un momento de tensión tras otro, sin preocuparse por guardarse nada, y sin complejos con su mezcla de géneros, resultando una lectura atractiva para aquellos aficionados al horror y a la aventura. La fortaleza es una novela dinámica, con un ambiente opresivo muy logrado, y que, pese a seguir aferrado a la existencia de un enemigo real y físico -algo que seguirá usando en el resto del ciclo de El Adversario-, consigue ir un poco más allá que la mayoría de novelas de buenos contra malos, aunque se echa de menos un poco más de desarrollo en los personajes principales

No puedo dejar de mencionar la adaptación cinematográfica de la novela, El torreón, dirigida en 1983 por Michael Mann y que resultó un absoluto fracaso de taquilla, en parte debido al efecto «Lady Halcón» de la banda sonora compuesta por Tangerine Dream. (Pese a todo, he de decir que recuerdo la película con mucho cariño).

La mujer de negro de Susan Hill puede definirse sin problemas como una historia victoriana de fantasmas y el hecho de haber sido escrita en 1983 casi parece un error tipográfico. Contiene todos los elementos necesarios: el protagonista forastero, incrédulo pero valiente que encontrará un aliado, el pueblo que guarda un secreto, una historia pasada terrible, un escenario hermoso pero aterrador, una casa misteriosa… todos estos puntos unidos a una historia en primera persona que recuerda al estilo de La dama de blanco convierten a esta novela corta en un perfecto ejemplo de novela de fantasmas.

Arthur Kipps trabaja en una firma de abogados que se encarga de los asuntos de la señora Drablow, recientemente fallecida, y es el encargado de viajar a la casa de la difunta para poner en orden sus posesiones; es el primer trabajo importante para Kipps que lo ve como una oportunidad de hacerse valer frente a su jefe y conseguir afianzar su posición económica y poder así casarse con su prometida, Stella. Así que abandona el Londres frío y brumoso de noviembre camino de Crythin Gifford en la costa este, entusiasmado con el trabajo y con la posibilidad del viaje. La llegada a Crythin Gifford es más fría de lo que esperaba y el propio viaje en tren parece un aviso de que nada va a ser como espera.

Así que ya tenemos al forastero intrépido en el pueblo que guarda un secreto y es que, bien pronto, Kipps advierte que nadie quiere hablar sobre la señora Drablow y en el funeral de la anciana tan solo acuden él y el representante de la inmobiliaria, aunque Kipps llega a ver a una mujer joven que parece querer presentar sus respetos a la anciana.

La señora Drablow vivía en Eel Marsh una casa ubicada en las marismas que queda aislada cuando sube la marea y por la que sólo se puede acceder mediante un paso en una zona donde las nieblas pueden impedir toda visibilidad. Tenemos así, la casa misteriosa, con cementerio incluido, y el escenario incomparable. Nos falta la historia terrible, que provoca el miedo en el pueblo y que amenaza a sus habitantes como una maldición.

La mujer de negro es una novela corta, muy entretenida, que consigue grandes momentos de tensión y que no debería de faltar en ninguna biblioteca de aficionado al terror. Una efectiva historia de género que ha tenido diferentes versiones tanto en teatro, televisión y cine.

Lo primero que notas al iniciar la lectura de El diablo me obligó es la cantidad de referencias literarias, cinematográficas y del mundo del cómic que se han dado cita bajo la historia de Haghenbeck. Tanto en la manera de narrar la historia, contada a través de varios personajes en distintos tiempos, pero con un personaje principal definido, como es el diablero Elvis Infante, podríamos decir que nos encontramos en una mezcla maravillosa entre Pulp Fiction, Hellblazer y El corazón del ángel.

Se nota, y mucho, que Haghenbeck está muy involucrado en el cómic, además de en
México ha trabajado para editoriales como Image o DC, y no se corta en absoluto en presentar directamente ese mundo lleno de ángeles caídos, demonios, diableros y miembros de oscuras y crípticas sectas. Además, lo hace sin concesiones, con gruesas pinceladas, forzando al lector a seguir hacia delante sin darle demasiado tiempo a plantearse dónde se ha metido. La idea de las peleas clandestinas entre ángeles y demonios y el submundo creado a su alrededor es, a la vez, imposible y creíble dada la oscura naturaleza del alma humana.

El diablo me obligó contiene en pocas páginas una historia bien llevada y resuelta de manera satisfactoria, pero que deja con ganas de más. El autor deja vislumbrar una realidad en la que podría seguir ambientando nuevas historias, no sólo en el campo de la novela sino también en el del cómic y, por qué no, en el cine o la televisión. Y es que Haghenbeck acierta con el uso del detalle realista en contraposición a lo imposible de su fantasía, logrando un libro ameno, ágil y sorprendente, que pude gustar tanto a los aficionados a la literatura fantástica como a cualquier otro lector con ganas de pasar un buen rato.

Hoy, 31 de octubre, toca hablar de algún tema relacionado con el terror, como no podía ser menos. En esta ocasión os vamos a recomendar algunos libros cuyo elemento común es el de estar protagonizados por algunos de los más famosos detectives e investigadores que se han adentrado alguna vez en el tenebroso mundo de lo oculto.

Si comenzamos de una manera cronológica, habría que destacar enseguida los libros de Algernon Blackwood, uno de los más grandes autores de horror de todos los tiempos, y que creó, por así decirlo, un arquetipo que luego otros copiarían hasta la saciedad. Me refiero, claro, a John Silence, un auténtico entendido en los asuntos del más allá y que pondrá todas sus habilidades al servicio de los necesitados, enfrentándose a curiosos enigmas y misterios. La mejor manera de acercarse a John Silence es conseguir el libro de Valdemar John Silence: investigador de lo oculto.

En un estilo más cercano a la fantasía que al terror, no podemos dejar de hablar de Harry Dresden, el mago con más mala suerte de Chicago y que Jim Butcher ha ido modelando en una serie de libros que ya supera de largo la docena. Magia, fantasía, novela negra y gran sentido del humor acompañan esta serie.

Un clásico de entre los libros dedicados a este peculiar género sería El ángel caído, de William Hjortsberg, un libro que hoy en día pasa desapercibido pese al gran éxito que tuvo su adaptación cinematográfica, El corazón del Ángel, protagonizada por Robert DeNiro y Mickey Rourke. La investigación de Harry Angel, contratado por Louis Cyphre, para encontrar a Johnny Favourite es un gran libro y muy recomendable, sobre todo para los que no han visto la película.

Por último, creo que es imprescindible leer los libros escritos por John Connolly y protagonizados por Charlie Parker. A mi juicio, Connolly ha sabido reunir desde el sentido de la maravilla de Blackwood al tono clásico de novela negra de Hjortsberg. Recomiendo la lectura cronológica de la serie, comenzando por Todo lo que muere, y que dejéis aquí mismo un comentario tras la lectura de El ángel negro.

Como bonus también tengo que recomendar la lectura obligada del cómic Helblazer, protagonizado por uno de los detectives ocultistas mejor definidos del género: John Constantine. La serie fue creada por el gran Alan Moore, aunque su época más conocida quizá sea la que guionizó Jamie Delano con dibujos de John Ridgway y portadas de Dave Mackean. Hellblazer también tuvo su adaptación al cine en una película pasable con Keanu Reeves y Rachel Weisz como protagonistas.

Pues bien, este es mi pequeño listado. ¿Y vosotros? ¿Conocéis a algún detective que se enfrente en solitario a lo desconocido? Os esperamos, como siempre, en los comentarios.