Lecturalia Blog: reseñas, noticias literarias y libro electrónico

Cuando hablamos de la cuarta pared, estamos usando una expresión que se originó en el mundo del teatro. En el escenario, contamos con tres paredes que rodean la acción, y una cuarta (transparente, imaginaria), que separa el escenario del público. En el teatro es fácil derribar este muro ilusorio, cualquier momento en que los actores se dirigen al público es un momento en el que la ilusión de otredad se rompe, donde el público se convierte en un participante más del espectáculo. Esta herramienta, relativamente sencilla en el entorno dramático, ha trascendido y ha invadido el espacio de otros ámbitos literarios, importando un ejercicio de interacción y transformándolo en un movimiento casi existencialista. Algunos teóricos hablan también de la existencia de una quinta pared, que sería la existente entre los miembros individuales del público de una obra, es decir, la que separa a un espectador de otro.

Dentro de la complejidad de la estructura narrativa, habitualmente podemos confiar en un principio casi inamovible: disponemos de un autor y disponemos de una serie de personajes. Nos adentramos en un mundo artificial en el que nosotros no somos más que meros espectadores, y los personajes no son más que marionetas de la voluntad omnipotente de su creador. Pero del mismo modo que Calderón cuestiona la propia validez de la realidad en La vida es sueño, algunos personajes gozan de tal calidad de existencia que pueden empezar a comportarse como seres reales, es decir, a cuestionarse su propio mundo y la autoría de éste, en una especie de acto religioso donde la divinidad es el narrador, y la narración queda en manos de una entidad bifurcada y/o especular, que es, a la vez, omnisciente y personaje. Así, en Niebla el protagonista decide salirse del marco impuesto por Unamuno y reclamar su derecho a la vida, a la decisión, al libre albedrío, del mismo modo que Adán come del Árbol de la Ciencia. El reciente género del webcómic (y antes de éste, el cómic y la novela gráfica) utiliza generosamente, tal vez de manera abusiva, este recurso, valiéndose de la flexibilidad que ofrece una publicación periódica y la combinación de texto e imagen, llegando a presentarse esta cuarta pared como algo gráfico, identificado con el marco de las viñetas, que los personajes utilizan como soporte físico a la vez que metafórico. Algo que podría parecernos, visto en pantalla, tremendamente sencillo, se convierte en un proceso autorreferencial que, visto desde la perspectiva del sistema narrativo, es confuso y difícil de describir y delimitar, un poco como situarse entre dos espejos y verse uno reflejado ad infinitum. Los resultados más espectaculares, sin duda, son aquellos en los que uno se sumerge de lleno en la ficción, convencido de su carácter, precisamente, ficticio; para verse sorprendido, de repente, por su propia inclusión en la intriga.

Muchos libros parten, desde el principio, de la ruptura de la cuarta pared, al dirigirse de manera directa al lector. En Jane Eyre, la protagonista nos habla desde el principio, nos llama “querido lector”. Ésta es una técnica muy común. Sin embargo, en la literatura es interesante llevar esta ruptura más allá, mostrando, dentro de la estructura de ficción, personajes que toman conciencia de su propia realidad de personajes, como el ya mencionado caso de Niebla. Ante todo, se trata de una transformación del ya establecido pacto narrativo, aquel que se establece entre autor y lector, por el que el lector acepta suspender temporalmente su sentido de la realidad para aceptar la realidad ficticia presentada por el autor. Si este sentimiento de ficción se rompe, el resultado es la sorpresa, la incomodidad y, si se realiza correctamente, una profunda reflexión sobre nuestra propia calidad de actores.

La vampira de la calle Ponent es uno de los personajes más macabros de la España negra, una pesadilla en forma de asesina en serie que actuó en la Barcelona de principios de siglo, siendo detenida en 1910, descubriéndose así que el rumor de niños desaparecidos era más que una leyenda urbana, por mucho que incluso el gobernador civil lo hubiese negado.

La mayor parte de los niños secuestrados eran hijos de prostitutas o de familias pobres, que tanto abundaban entonces, que no tenían los medios para encontrar a sus hijos y a los que las autoridades poco caso iban a hacer. La desaparición de la niña Teresita Guitart iba a cambiar las cosas: una vecina vio a una niña con el pelo rapado en uno de los pisos y, mosqueada por el comportamiento general de su vecina y con la desaparición de la tal Teresita, se lo comentó a un comerciante del barrio que se lo dijo a un agente que se lo comentó a su brigada… acabando con una orden de registro.

Lo que encontraron en el piso de Enriqueta Martí fue, además de dos niñas secuestradas, un museo de los horrores espejo, no solo de la mente perturbada de Enriqueta, sino también de la parte oscura de la sociedad, esa que no queremos conocer pero que nos fascina con sus noticias en los diarios sensacionalistas.

Enriqueta llevaba por una lado una doble vida, mendigando por el día, muchas veces con niños, mientras frecuentaba los mejores salones, posiblemente como medio de ofrecer su mercancía: los niños, a quien no sólo prostituía sino que eran también la materia prima de uno de sus otros negocios: la venta de elixires y pomadas.

Queda claro que semejante monstruo ha llamado la atención de escritores como es el caso de Marc Pastor, con La mala mujer, o Fernando Gómez, con El misterio de la calle Poniente. Y ahora le ha llegado el turno al musical, esperemos que al más puro estilo Sweeney Todd. El libreto está a cargo de Josep Arias Velasco y será estrena en la primavera de la temporada que viene por la compañía Octubre Teatre. Entre otros actores aparecerán Constantino Romero y Teresa Vallicrosa, quienes protagonizaron una versión de Sweeney Todd, musical que relata la historia de un legendario y sangriento barbero londinense y, según las versiones, cocinero de unas suculentas tartas.

La Fura dels Baus, una de las compañías de teatro más innovadoras y arriesgadas de España, y probablemente del mundo, están preparando un nuevo montaje sobre la obra de Shakespeare “La lamentable tragedia de Titus Andronicus” una adaptación en la que la gastronomía se incorpora al “lenguaje furero” para crear un ambiente concreto en cada escena, con sabores y olores diferentes en cada escena, de forma que la tragedia “se pueda saborear”. Para la realización culinaria de esta “Degustación de Titus Andrónicus” la Fura cuenta con la colaboración del Restaurante Mugaritz. El espectáculo seguirá las pautas de otras obras de la compañía: desaparición de las barreras entre actores y espectadores, entre escenario y platea, mezcla de diferentes lenguajes… una especie de vuelta a los orígenes de la compañía después de operas y macro-espectáculos.

La Fura dels Baus se ha convertido, prácticamente, en una compañía de culto desde sus inicios en los años ochenta, con miles de seguidores y el aplauso casi unánime de la crítica. Su concepción del teatro, del espectáculo, no deja indiferente a nadie, acercando a sus obras a espectadores ajenos al teatro más tradicional, y reconvirtiendo obras tradicionales a su lenguaje. Teatro con o sin escenario, óperas, montajes para grandes acontecimientos, internet o cine, con su más que remarcable Faust 5.0, son diversas líneas de trabajo que, a pesar de su variedad, son totalmente inconfundibles.

Como siempre, no sabemos que esperar del nuevo montaje de la Fura, aunque si podemos apostar en que no dejará indiferente a nadie, y que la obra de Shakespeare, una de las más sangrientas de las escritas por el autor inglés, no habrá conocido una versión similar desde su primera representación, allá por el año 1594. Miedo da, en el buen sentido de la palabra, mezclar la gastronomía con un texto que muchos no dudan en considerar gore.

El estreno de la Degustación de Titus Andronicus será el próximo siete de mayo en la Tabakalera de San Sebastián, futuro Centro Internacional de Cultura Contemporánea. Después comenzarán una gira que les llevará por toda España.

Si alguien está interesado en la obra de Tito Andrónico, la Universidad de Valencia nos deja leerla en formato HTML, totalmente gratis: La lamentable tragedia de Titus Andronicus

Después de una larga enfermedad ha muerto, a los sesenta y tres años de edad, el poeta José Heredia Maya, granadino de Albuñuelas (en el Valle de Lecrín, una de las comarcas más bellas de la provincia) nacido a principios de 1947. Heredia Maya se convirtió, en su día, en el primer catedrático de etnia gitana de la historia de España, desempeñando su labor docente en la Universidad de Granada, en la que se licenció en Filología Románica en los años setenta.

Nacido en una familia humilde de vendedores ambulantes de telas, se trasladó a Granada para cursar el Bachillerato por intercesión del cura del pueblo, que convenció a los padres para que José siguiera sus estudios; posteriormente se matricularía en Magisterio. Luego, ya en la Facultad de Letras, siguió destacando como estudiante, aunque no fueron pocos los escollos que tuvo que sortear debido a sus orígenes. Aún hoy no es del todo habitual la presencia de estudiantes gitanos en los niveles de educación universitaria española, pero cada vez son más y en parte se debe a los que fueron abriendo camino.

Como poeta ha publicado diversos poemarios tales como Penar Ocono (1972), Poemas indefensos (1974), Charol (1983) o Experiencia y Juicio (1994), pero fue en el teatro en donde empezó a tener más reconocimiento, con obras que intentaban dignificar la cultura gitana tales como Camelamos naquerar, de 1976, en la que participó el bailaor Mario Maya, y que era un canto contra la opresión centenaria hacia el pueblo gitano. En otras de sus obras teatrales incorporó, además del flamenco, el jazz y la música andalusí. También escribió Un gitano de ley, en la que narraba la vida de Ceferino Giménez Malla. La obra fue representada en la Ciudad del Vaticano (en la sala Pablo VI) y en la Catedral de Sevilla con motivo de la beatificación de este leridano muerto en Barbastro a manos del ejército republicano durante los primeros compases de la Guerra Civil española. Su proceso de canonización se encuentra en marcha, por lo que se convertirá en el primer santo gitano que sufrió martirio (murió fusilado).

A lo largo de los años, y desde aquel Camelamos naquerar (que significa literalmente en lengua caló “Queremos hablar”) que lo convirtió en un autor famoso durante la Transición democrática española, sus obras teatrales han ido incorporando elementos que, más tarde, se han hecho comunes a otras obras de diversas temáticas. Hay quien sugiere que fue Heredia Maya uno de los primeros, por ejemplo, en intentar mestizar el teatro con músicas de fuerte carácter étnico, y de mezclar “palos” tan distintos como la música tradicional gitana y el jazz, o las diversas músicas del norte de África, que posiblemente tienen orígenes comunes con el flamenco.

José Heredia Maya destacó, como docente, enseñando la literatura del Siglo de Oro y de la Generación del 27. Fundó el Seminario de Estudios Flamencos de Granada, ganó varios premios de cultura gitana y en septiembre de 2009, ya enfermo, fue homenajeado de forma multitudinaria por la Universidad de Granada.

Una de las grandes excusas del fracaso de la literatura fantástica en España es la falta de una tradición de lo fantástico dentro de la tradición literaria española, al contrario de la anglosajona o germana. Si bien, a mi juicio, el género fantástico viene determinado por la fuerza del romanticismo, me gustaría hablar de el mayor exponente popular de lo fantástico durante los siglos XVIII y XIX, que, lejos de la narrativa tradicional, aparecía en el espectáculo popular por excelencia: el teatro.

Las comedias de magia aparecen a principios del S.XVIII, aunque el germen de este tipo de teatro se remonta has el S.XVI en algunas obras de Lope de Vega o Calderón de la Barca, donde el elemento sobrenatural estaba más que presente. Sin embargo, para que el teatro de magia cuaje y se erija como uno de los espectáculos populares por excelencia, faltaba un elemento: La tramoya.

Tras toda obra de este calado, llena de apariciones, desapariciones, relámpagos, cambios bruscos de escenario, fantasmas atravesando las paredes, jarrones cayendo sin que nadie los toque, armaduras vacías andantes o personajes volantes, hacía falta una técnica depurada a la hora del montaje teatral. El salto tecnológico para las obras más arriesgadas aparece con la llegada de un grupo de ingenieros italianos que ya habían dominado la técnica y preparado nuevos ingenios en su país de origen, donde el teatro de magia también era muy popular.

De ese modo se inaugura una época dorada para la comedia de magia en el S.XVIII, con gran afluencia de público y estreno de decenas de obras. Sin embargo, a la crítica no le gustaba nada de nada ese tipo de teatro, basado más en el artificio y la superstición que en el drama y el personaje. De ese modo se intentó prohibir y hasta se consiguió censurar en 1788 y 1883. Las razones, las mismas que hoy en día se esgrimen frente a las obras de género fantástico o de terror: que las mentes populares se pueden influenciar y torcer ante espectáculos denigrantes. Ehem.

A mediados del S.XIX cambia la percepción del público y la de los creadores. Según muchos estudiosos, se debió al aumento del nivel cultural de la sociedad en general, pero creo que, unido a esto último, la situación en España empezaba a girar hacia lo que acabó siendo la percepción realista y pesimista de 1898. Se deja atrás el elemento sobrenatural como punto clave de la historia y se utiliza más como objeto de burla y mecanismo moralizante.

El movimiento romántico bebe de las fuentes del teatro mágico, compartiendo tramoyas, efectos y escenarios. No hay más que echarle un vistazo al Tenorio para darse cuenta de dónde sale gran parte del envoltorio de la historia de Zorrilla.

La última gran historia del teatro mágico parece ser La Pata de Cabra, una obra en la que se mezclan ya los elementos féericos de tradición más europea, con un alto componente cómico. Aunque luego siguió la tradición unos años, casi todas las obras eran reestrenos, sin apenas obras nuevas.

Con el teatro mágico muere una de las más importantes tradiciones literarias fantásticas en lengua castellana, un fenómeno popular que hasta la llegada del cine, y sobre todo el cine extranjero, no se volvió a recuperar.

Tal día como hoy, pero en 1613, un cañonazo mal ejecutado durante una representación acabó con el teatro mítico de la dramaturgia inglesa: El Globo, lugar donde Shakespeare estrenó sus mejores obras.

Inaugurado en 1599, tenía tres pisos de altura y un aforo de 3000 personas; pese a estar localizado en una zona poco recomendable de Londres, las clases altas se aventuraban para contemplar las obras de Shakespeare durante el verano, única estación del año en que abría sus puertas.

Tras el incendio, el teatro se reconstruyó y siguió en servicio hasta 1642, cuando durante una época de poder religioso Puritano, que consideraban a los teatros como unos antros de pecado, se decidió su cierre.

Su ubicación exacta fue objeto de discusión durante años y hoy en día se puede disfrutar de una réplica de El Globo apenas a 200 metros de su localización original, adaptado al S.XX, eso sí, que se abrió al público en 1997. Su construcción, pese a todo, no es fidedigna y se está planteando una reconstrucción del edificio para respetar las líneas de visión originales sobre el escenario

En Internet tenemos diversos recursos sobre el teatro, como un recorrido virtual por el edificio, además de poder visitar la web del nuevo teatro.

Vía: Encontrando a Dulcinea

Estos días se está celebrando en Nueva York los Catalan Days, una más de las iniciativas auspiciadas por el Instituto Ramon Llull como promoción de la cultura catalana. Dentro de las actividades hay que destacar la lectura dramática de La plaza del Diamante, de Mercè Rododera, novela convertida en monólogo por Joan Ollé. Esta lectura ha sido presentada en castellano por la actriz y cantante Ana Belén tanto en el Teatro Real como en el Festival Cervantino de México, dedicado en 2008 a Cataluña. En esta ocasión, la actriz Jessica Lange toma el relevo para presentar en inglés este texto al público de Nueva York abriendo los Catalan Days que terminarán el día veinte de mayo.

La plaça del Diamant, una de las obras más conocidas de Mercè Rododera, cuyo centenario se cumplió en 2008, narra la vida de Natalia durante la República, la Guerra Civil y la postguerra siguiendo la evolución de esta mujer, resignada a ser Colometa, a través de este tiempo, desde su pasividad casi infantil a llegar a ser, por fin, la señora Natalia, siguiendo su vida, la dura vida de los perdedores, en la ciudad de Barcelona, también perdida. En los años ochenta se llevó a cabo una exitosa serie televisiva con Silvia Munt como protagonista.

Vía: El Periódico

El Día Mundial del Teatro fue creado en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro (más conocido como IIT), y se celebra todos los años en 27 de marzo. Y como todos los años, se difunde un mensaje internacional de una figura pública relevante relacionada con el mundo del teatro. Este año le ha tocado a Augusto Boal, dramaturgo, escritor y director de teatro brasileño (candidato en 2008 al Premio Nobel de la Paz) y he aquí su mensaje:

Todas las sociedades humanas son espectaculares en su vida cotidiana y producen espectáculos en momentos especiales. Son espectaculares como forma de organización social y producen espectáculos como este que ustedes han venido a ver.

Aunque inconscientemente, las relaciones humanas se estructuran de forma teatral: el uso del espacio, el lenguaje del cuerpo, la elección de las palabras y la modulación de las voces, la confrontación de ideas y pasiones, todo lo que hacemos en el escenario lo hacemos siempre en nuestras vidas: ¡nosotros somos teatro!

No sólo las bodas y los funerales son espectáculos, también los rituales cotidianos que, por su familiaridad, no nos llegan a la consciencia. No sólo pompas, sino también el café de la mañana y los buenos días, los tímidos enamoramientos, los grandes conflictos pasionales, una sesión del Senado o una reunión diplomática; todo es teatro.

Una de las principales funciones de nuestro arte es hacer conscientes esos espectáculos de la vida diaria donde los actores son los propios espectadores y el escenario es la platea y la platea, escenario. Somos todos artistas: haciendo teatro, aprendemos a ver aquello que resalta a los ojos, pero que somos incapaces de ver al estar tan habituados a mirarlo. Lo que nos es familiar se convierte en invisible: hacer teatro, al contrario, ilumina el escenario de nuestra vida cotidiana.

En septiembre del año pasado fuimos sorprendidos por una revelación teatral: nosotros pensábamos que vivíamos en un mundo seguro, a pesar de las guerras, genocidios, hecatombes y torturas que estaban acaeciendo, sí, pero lejos de nosotros, en países distantes y salvajes. Nosotros que vivíamos seguros con nuestro dinero guardado en un banco respetable o en las manos de un honesto corredor de Bolsa, fuimos informados de que ese dinero no existía, era virtual, fea ficción de algunos economistas que no eran ficción, ni eran seguros, ni respetables.

No pasaba de ser mal teatro con triste enredo, donde pocos ganaban mucho y muchos perdían todo. Políticos de los países ricos se encerraban en reuniones secretas y de ahí salían con soluciones mágicas. Nosotros, las víctimas de sus decisiones, continuábamos de espectadores sentados en la última fila de las gradas.

Veinte años atrás, yo dirigí Fedra de Racine, en Río de Janeiro. El escenario era pobre: en el suelo, pieles de vaca, alrededor, bambúes. Antes de comenzar el espectáculo, les decía a mis actores: “Ahora acaba la ficción que hacemos en el día a día. Cuando crucemos esos bambúes, allá en el escenario, ninguno de vosotros tiene el derecho de mentir. El Teatro es la Verdad Escondida.”

Viendo el mundo, además de las apariencias, vemos a opresores y oprimidos en todas las sociedades, etnias, géneros, clases y castas, vemos el mundo injusto y cruel. Tenemos la obligación de inventar otro mundo porque sabemos que otro mundo es posible.

Pero nos incumbe a nosotros el construirlo con nuestras manos entrando en escena, en el escenario y en la vida.

Asistan al espectáculo que va a comenzar; después, en sus casas con sus amigos, hagan sus obras ustedes mismos y vean lo que jamás pudieron ver: aquello que salta a nuestros ojos. El teatro no puede ser solamente un evento, ¡es forma de vida!

Actores somos todos nosotros, el ciudadano no es aquel que vive en sociedad: ¡es aquel que la transforma!

A continuación os dejamos algunas muestras de jornadas de celebración de este día tan significativo. Con todo, todas las comunidades españoles han elegido una sede para celebrar este evento, así que os recomendamos que os informéis de qué actividades se desarrollarán en vuestro entorno más cercano:

-El Teatro Gayarre de Pamplona estrenará una versión de la obra Casa de muñecas de Hernik Ibsen, producida por la Fundación Municipal Teatro Gayarre y el Gobierno de Navarra. La producción recorrerá diversos municipios navarros. Iniciará su trayecto en el Teatro Gayarre el viernes y el sábado a las 20 horas, para luego visitar las casas de la cultura de Villava, Zizur Mayor, Noáin, Irurzun, Aoiz, Estella, Alsasua, Ansoain, Sangüesa y Valle de Aranguren.

- Madrid también será protagonista al celebrar su ya habitual Noche de los Teatros, nueve horas que contarán con más de 170 actividades relacionadas con el teatro: desde representaciones y performances a coloquios, talleres y proyecciones, en los que participarán 107 espacios de la región y 600 artistas. Más información y programa aquí*.

-En Lanzarote se alargan las festividades. La programación teatral se extenderá a todo el mes de abril, coordinada por el área de Educación y Cultura del Cabildo de Lanzarote. Entre las representaciones destacan Aquí no paga nadie, La boda de los pequeños burgueses, Los Físicos, Magalfa y el Rey Analfabeto y Hansel y Gretel. Más información en la página web del Cabildo de Lanzarote.

Por supuesto, más allá de España las festividades también son múltiples. Tal vez la iniciativa más conocida sea la que realizarán, por tercer año consecutivo, los alumnos de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT): un “buffet” de teatro en el Centro Nacional de las Artes (CenArt) mexicano, donde 29 grupos de teatro y danza presentarán diversos proyectos artísticos para todo tipo de públicos. Podéis encontrar más información sobre este macroevento podéis acudir a la página web del CenArt.

John Patrick Shanley es considerado por los vecinos del Bronx, que ya lo incluyeron en el Bronx Walk of Fame en 2004, como uno de sus más importantes paisanos. No el más famoso, desde luego, teniendo en cuenta a nombres como el guitarrista de los KISS “Ace” Frehley, el rapero Afrika Bambaataa, la escritora Mary Higgins Clark o el actor Danny Aiello (por no mencionar a los recurrentes Woody Allen, Al Pacino, Calvin Klein o J.Lo), pero sí uno de los que se hizo popular utilizando el Bronx como sujeto activo de su carrera como guionista, dramaturgo y director teatral y cinematográfico. Lo paradójico es que, si bien la mayor parte de su obra está ambientada en el barrio en el que creció, su único Oscar (hasta ahora, ya se verá si 2009 le tiene reservado alguna sorpresa) lo consiguió por un guión, el de la película protagonizada por Cher y Nicolas Cage, Hechizo de luna, que tomaba como trasfondo Brooklyn y no el Bronx.

No es el caso de Doubt: A Parable -La Duda-, la obra teatral que acaba de ser llevada exitosamente al cine y que cuenta una historia ambientada en un estricto colegio católico del Bronx durante los años 60. Aunque no es determinante para la historia, la pincelada social, más allá de la rigidez educativa de la directora de la institución en contraposición a las opiniones menos conservadoras del sacerdote protagonista, queda de manifiesto en el hecho de que acaba de ingresar el primer estudiante negro de la historia del colegio.

Ganadora de cuatro premios Tony y del Pulitzer a mejor pieza teatral, se estrenó fuera de los circuitos de Broadway en noviembre de 2004, en donde se puso de manifiesto de inmediato que tenía más que posibilidades de dar el salto a los teatros más importantes de Nueva York. Así, tan sólo cinco meses después de su estreno, pasaba al Walter Kerr Theatre, uno de los más pequeños de Broadway, en donde permaneció año y medio de forma ininterrumpida acumulando medio millar de representaciones. El Pulitzer fue el espaldarazo definitivo y la confirmación para Shanley de que aquella pequeña historia ambientada en su barrio en los años 60 (una constante, lugar y tiempo, de su carrera) podría llegar a funcionar también en la gran pantalla.

Porque, más allá de todo esto, el Bronx, así como escenario habitual en la obra de Shanley y de otros muchos escritores y cineastas nacidos allí, en él vuelve a reivindicarse como algo más que una amalgama étnica (irlandeses, italianos, dominicanos y afroamericanos enemistados entre ellos de forma continua) y un nido de delincuencia que desde allí se extiende, hacia el sur, por toda la gran manzana. El Bronx podría ser el corazón, ya no de Nueva York, sino de los Estados Unidos urbanos: un corazón formado por gente sencilla, por obreros blancos, negros y latinos, un lugar en el que el jazz se expandió como la pólvora, en donde se tocó buen rock en los garajes de familias católicas y la sopa primordial donde nació el hip hop. Por eso John Patrick Shanley es el prototipo de buen vecino del Bronx: ha podido, desde su posición, seguir alimentando la leyenda negra del distrito pero, en cambio, ha optado por dignificarlo contando pequeñas historias que podrían ocurrir en cualquier otro lugar de los Estados Unidos.

Harold Pinter ha fallecido a los setenta y ocho años en Londres a causa de un cáncer de hígado. Pinter fue un autor semidesconocido para el gran público, incluso después de que se le otorgara el premio Nobel de Literatura en 2005 o de la concesión de múltiples premios a lo largo de su carrera, como el Molière o el Lawrence Oliver, así como distinciones en los festivales de Berlín y Cannes por su trabajo como guionista.

Su vida giró entorno al teatro, ya fuese como escritor, actor o director, aunque la poesía, la prosa o el cine, (fue el guionista de La mujer del teniente francés, entre otras) también fueron testigos de su carácter, de su pertenencia a los llamados “jóvenes enojados“, como Tom Stoppard, John Osborne o Arnold Wesker, protagonistas de la vanguardia inglesa de la postguerra. Ha sido comparado con Beckett o con Ionesco, y su teatro puede ser considerado como “teatro de la inseguridad” ya que sus personajes intentan reaccionar frente a los problemas, fracasando habitualmente.

Su activismo político y por los derechos humanos, lo llevaron a denunciar los golpes de estado en América Latina en los años setenta o la represión turca al pueblo kurdo. Este activismo político, marcó también sus obras siendo más políticas, al tiempo que más cortas, con alegorías a la represión. Esta denuncia política protagonizó sus apariciones en público en los últimos años, incluido su discurso en los premio Nobel, con una crítica descarnada a la política de los EE.UU. y el seguidismo británico.